從1750年巴赫去世那一年到1827年貝多芬過世，這75年間是音樂史上的「古典樂派」。「古典」這個詞隱含著最佳模範的意思。從古希臘、羅馬的歷史、神話、哲學的影響，人們聯想到古典的文明及美德。1748年義大利龐貝古城的發掘，為當時的歐洲掀起了一股「尚古」的風潮。人們熱中於古物的研究，企圖從古文化的精萃中，重新發現藝術的根本價值。

根據一些理論家的統計、運算，找出了隱藏在這些古典精神的建築、雕刻裡的設計原理。這個「古典的比例」的說法，意味著擁有自然勻稱的適當比例，而這個比例是一個公認的、客觀的正確原則。在這樣的前提下，致使古典時代的風格呈現一種重理性、邏輯的形式美，而這種美感是力求簡單、節制與均衡的。

當時的作曲家都握有一把平衡好這個認可的比例的尺。就像希臘神殿山形牆的對稱平衡設計對後世建築的影響，音樂上也有「奏鳴曲」與「奏鳴曲式」這類由對稱、平衡的概念下因應而生的曲式，而這些曲式的發展幾乎主導了所有西方音樂的走向。

古典作曲家擅長運用「3」這個數字，完美的切割出作品的黃金比例。在三段式的曲體中，他們利用前後段的對等呼應來襯托、對比中段的不同，進而表現出平衡的關係。例如：奏鳴曲是藉由速度的變化「快」、「慢」、「快」來取得樂章間的平衡。奏鳴曲式則是以「呈示部」、「發展部」、「再現部」三個區塊條理分明地規劃音樂路線。這樣在音樂上三個時間前後出現的效果，就如視覺上希臘神殿山形牆的主體與對應部分三個比例的關係，能自然的調和形式，達到平衡的原則。

奏鳴曲式中的第一部份「呈示部」是音樂主題風格的呈現。第二部份「發展部」則是將這個主題更進一步地發展，發揮出更多層次的深度表現。接著音樂走到第三部份「再現部」，其實這裡就是第一部呈示部的再現。藉著聽覺的記憶，再一次確認主題，更清楚地掌握主題所給與的訊息。與呈示部不同的是，通常會有一個較正式、慎重的「結尾」的安排，提醒聽眾樂曲就將結束了。

開創主音音樂

古典樂派在音樂上的另一個重大里程碑即是開創了「主音音樂」的創作織體，脫離了長久以來一直居於領導地位的對位法音樂。這也代表了一直高高在上的宗教音樂讓位給了一般用途的器樂曲。古典音樂家關心的是：如何讓樂曲各段落之間達到平衡，以便聽眾能清楚地抓到音樂的走向，同時也能正確地受到指引以明白作品的架構。作曲家希望聽眾能聽懂他們的音樂，他們希望能以更簡單、更真實的方式帶領人感受音樂。

所謂的「主音音樂」就是有一個明顯的主旋律，其他聲部則像配角一樣予以伴奏、襯托。其實這也是我們目前時下最常聽見的型態，就如一般的歌曲演唱與伴奏搭配就是屬於這一類的。

可能我們會有這樣的疑問：怎麼在樂曲中會有那麼多的「反覆」呢？其實這些音樂上的反覆，都是為了加深主題在聽者心中的印象。畢竟音樂是時間的藝術，瞬間即逝，只能靠反覆來增強聽覺的記憶。

提到聽覺的問題，奏鳴曲在三個樂章的輪替上，採取快－慢－快的作法，實際上也是為了避免產生聽覺疲勞。經由速度的變換，使聽眾能在較長時間的曲目表演中，仍能集中注意力，保持新鮮感。

貝多芬「悲愴」第二樂章

「奏鳴曲」與「奏鳴曲式」這兩個名詞很容易混淆。「奏鳴曲式」大部分是屬於「奏鳴曲」第一樂章中的作曲形式，而「奏鳴曲」則是更大範圍的一種多樂章的曲目架構。廣義的奏鳴曲，小的可以是樂器的獨奏曲，大一點的可以是室內樂重奏曲，再大一點的就成了交響樂的規模了。

奏鳴曲樂章速度是快－慢－快的穿插法則。貝多芬的鋼琴奏鳴曲「悲愴」的第二樂章是個「如歌似的慢板」，它是慢板樂章的極致代表，音樂中散發的高貴、典雅氣質，可說是古典精神的典範。

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這首曲子是由三段體曲式寫成的。三段體又稱為ＡＢＡ曲式，也是一種典型前後兩段相同、中段不同的對稱、平衡形式。貝多芬的創作雖然繼承了前兩位前輩的優點與原則，但一向自我風格極強的貝多芬，在傳統形式中仍企圖表現他的與眾不同。他在每次主題出現時，都以不同的伴奏方式來表達不同層次的情緒張力。貝多芬試圖在一貫的制式主題反覆模式下，達成一種近乎「前因後果」的樂念，音樂彷彿不只是聽進耳朵裡去感受愉悅，而是深入肺腑，要感動人心的。

這個古典的黃金比例是否在您心中也留下了一把尺，好好善用它，您將會更瞭解作曲家的語言。

──轉自《希望之聲》

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