文人画是中国传统绘画当中一个特殊的类别。此一分类并不是根据绘画的内容，而是以画家的身份而定名，画家的身份多具有深厚文化修养的文人士大夫，另还有较特别的──禅僧。
中国文人画始自唐朝的自然派诗人画家王维。其多才多艺，既能书擅画，又妙解音律，以画的造诣而论，创造了水墨山水画派，被称为“南宗画之祖”，文人画的开宗人物，受禅宗影响很大。诗作擅以描写山野田园自然风景，如身入诗中景色，他的画更具有这种气质。这种文字与绘画的结合始自王维，所以董其昌称王维的画为“文人画”。自此之后，中国的绘画与诗、词、书法等结了不解之缘，至于在一幅画上落款、题诗、题跋甚至于加盖图章，以及画家以书法笔意作画等的演变，似乎都可说是因“文人画”而产生。
▉表意境 以书入画
“文人画”在创作上强调个人思想、意趣，结合书法、文学、绘画、人品诸种因素。大多数文人画家均以深远闲淡、穆和严静作为绘画创作最终追求的意境，因此他们以最简单的笔、墨、纸、砚为工具，以最概括的黑、白、灰为色彩语言，传达出画家内心最深切的感受。北宋苏轼，米芾、米友仁父子被视作文人画山水最早的典型。米芾不只是画家，亦是著名书法家，其作画力求“平淡天真”，以书法笔意，或露锋缓行或挑笔出锋，佐以下笔的轻重缓急、顿挑、使转纵横，使书法的意韵表露无遗。
中国文人画，从唐朝的自然派诗人画家王维建立以来﹐到了十三世纪元朝﹐开始受到艺术家和文人普遍的重视与喜爱﹐直至清初。此一文人画形式的画风发展﹐风格与内涵也达到了炉火纯青。
中国的绘画在唐代以前，以工整写实的方法来记录眼睛看到的花鸟、禽马、人物或建筑，用色也较艳，这种绘画的方法，在宋代还在延续，宫廷画师大多能掌握非常准确精细的技巧，可以把眼睛看到的物象画得非常逼真。但是北宋有一些“文人”，不属于宫廷职业的画匠，也喜好绘画，他们在文学、哲学方面的修养都比较高，擅长书法。他们观察自然，认为自然中的物象除了视觉，还有听觉、嗅觉等其他方面的感受，例如竹，竹叶有清香，竹子在风中摇曳，与光影互动，都使人产生对竹子不同的感受。竹子中空有节，象征“虚心”、“节操”；竹子一方面是客观的植物，另一方面却升华成为君子和文人的象征。这一类的画法对后来中国美术影响很大，把文学和绘画结合，是文人画发展起来的特殊形式，也是中国绘画的一大特色。
▉绘画文学化 以明志遣兴
元代由于尖锐、复杂的民族、阶级、社会矛盾，大多数画家避世，漠视人生。尤其是文人士大夫画家，主要藉山川、枯木、竹石，寄情抒志，疏于表现人事。因此，直接反映现实生活的人物画极少。
蒙古族入侵中原，一些拒不仕元的画家藉绘画来写愁寄恨、明志遣兴，因此便于抒情写趣而无须强调形似的山水画，宜于发挥笔墨，并以梅、兰、竹、菊适合抒发坚贞高逸之志，成为当时广为采用的题材。绘画文学化，致使绘画上题跋用印，也开始被看作画面美的组成部分而受到重视。由于文人对绘画的广泛参与，因而主张“书画同源”，以书法入画，主张画贵有书卷气，蔚然成风。
元代画家多隐居山林、参禅修道，蕴含着“出世”的感悟精神。这时的作品，尽管有真山真水的依据，但是不论春夏秋冬、崇山峻岭或浅汀平坡，总是给人以冷落、清淡或荒寒的感觉。在笔墨的表现中，充分体现了文人画家对社会人生的态度，对大自然的更深层的认识以及对艺术的敏感。在创作思想上继承北宋末年文同、苏轼、米芾等人的文人画理论，提倡遗貌求神，以简逸为上，追求古意和士气，重视主观意兴的抒发。画坛名家辈出，其中以赵孟頫、钱选、高克恭、王渊等和号称元四家的黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙最负盛名。
明代是一个画风迭变，画派繁兴的朝代，中后期以沈周、文徵明为首的吴门画派兴起（或称明四家，以沈周、文徵明、唐寅、仇英为主），他们中有文人画家亦有职业画家，因此在绘画创作中开始有商品贸易的运作。自明清，文人画家有以画谋生的风尚，使过往文人在画中表达高尚的情操逐渐被淡化，进而展现出“生活迫人”的感觉，自此与文人画的精神渐远。@
