【大紀元2023年07月13日訊】（大紀元記者黃捷瑄台灣台北報導）讀者如果搜尋現在的布袋戲演出，會看到一些進入劇場的新穎節目，出身莒光國小「微宛然」的黃武山，早在2014年就走入劇場空間，嘗試「人偶同台」，雖然演出很成功，也接到國外藝術節的邀約，但最後還是因為經費問題無法觸及更大的市場。
黃武山是「亦宛然」1984年進入莒光國小進行校園承傳所培養出的布袋戲演師，自組「山宛然」劇團。黃武山是客家人，為了用最熟悉的語言演出，他借鑑客家採茶戲的音樂、歌曲，並融入客家服飾特色，這使「山宛然」在台語為主的布袋戲界獨樹一幟。
大學念心理、研究所念戲劇，所以對黃武山來說，想要跨界或跨領域拓展掌中戲的可能性是一件很自然的事情。2014年及2018年，山宛然分別創作「人偶同台」的新劇《聊齋－聊什麼哉》及《白色說書人》，這可以說是走在跨界的尖端，但他也很快就發現劇場演出的侷限性。
「你可以跟其他劇團合作，你可以跟管弦樂團合作，但是必須思考的是合作要做什麼？創作第一個花費時間，演完之後能不能繼續再演也是個問題。」黃武山說，《聊齋》至少演了三次，但台灣的市場、土地就這麼大。
後來新加坡藝術節、美國的偶戲節都來接觸過他，但國外的偶戲節基本上認為一個團就兩、三個人，經費不是很多，而《聊齊》至少是中型劇場以上的編制，光演出和工作人員就要四十人，出去一趟包括機票的費用是可觀的，沒有藝術節出得起這樣的經費。
「除非有經費，否則它就是賠錢，真的是賠錢。」黃武山直言：「我有算過，《聊齋》包括舞台、技術、燈光……至少需要15個人，這已經很極限了。但國外的偶戲團基本上三個人。歐洲的土地又連在一起，就是一個大國家，不用什麼交通費，東西可能貨櫃載過去。我們從臺灣飛過去，又15個人的機票，誰會願意？ 」
撇開錢不說，更核心的是跨界對劇種的加分在哪裡。
「你可以打爵土鼓，可以把整個交響樂團搬到舞臺上，這沒問題，但要去思考，你去結合是什麼意義。」黃武山認為，「臺灣可以做的創新很多，當然可以賺錢，但做完對布袋戲來說沒什麼意義，不如老老實實去做推廣，培養觀眾。」
科技重要性不能凌駕於人
現今傳統戲曲的表演團體，多半需要政府經費的挹注才能維持。不諱言，如果政府的「跨界」、「科技」計畫可以申請幾百萬，劇團可能會為了補助而去製作節目。
傳統戲曲學者、臺北藝術大學傳統音樂學系系主任簡秀珍，本身也曾在國家藝術基金會擔任委員，參與補助藝文團隊的審查。就她的觀察，有一陣子幾乎每個團都要作投影，有補助一定要有字幕；投影的效果可能有些做得很好、增強情境，但大多數並沒有特別的需要，只是跟隨潮流，問題是投影很花錢。
「投資在這個上面有點怪，因為所有的表演最重要的是演員的表演。」她質疑：「為什麼不把錢花在讓演員演戲演得更好上面，不然給我們看燈光秀、投影秀就好了，為什麼要再去看人？光雕、投影不是不可以做，而是這是旁支的東西，最後還是劇本要好，演員表演要好。」
這個時代流行這種技術，下個世代也許又是不一樣的技術，技術的追求是永無止境的。她提醒，「最重要的還是要回歸到人身上，因為所有的表演藝術是用人來傳承的，如果技藝沒有在這些人身上，讓他把東西留住，以後的人看錄影、錄音是學不來的，因為這些東西需要老師跟你講很多訣竅，需要老師『開破』，學生才會學得比較快。」
回歸技藝與劇種特性
不論新一代要跨界、結合科技或改編傳統戲曲，都必須顧及「劇種特性」，就是知道什麼是可以改的，什麼是不可以改的。創作者必須去思考，布袋戲不能免除的是什麼？偶戲的特色為何？為什麼用布袋戲來演？什麼東西是人戲做不到的？又什麼東西是偶做不到的？
簡秀珍曾經看過用布袋戲演愛情故事、詮釋「心理狀態」，結果不是太成功，就是沒有考量到「劇種特性」。
她分析：「讓角色去思考心理層次的問題，是把西方戲劇理論套到傳統戲曲上。傳統戲曲並不是沒有塑造角色，而是由外而內的把功夫練到好，就能夠呈現那個角色。或者說是在符合劇情的狀況下，把事情『演』出來，讓觀眾感受到對人情的細微觀察，而不是滔滔不絕的自我表述。」
簡秀珍憂心：「這種困境可能源自部分演師在技藝上沒有辦法突破，或他可能操偶沒辦法做到更好，所以就想用其他的東西來包裝，這可能是要小心的地方。」◇
責任編輯：施暮羽
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