「拉斐爾：超凡詩意」 紐約大都會藝術博物館特展

16世紀以來，意大利文藝復興三位巨匠（「文藝復興三傑」）達‧芬奇、米開朗基羅與拉斐爾的排名常隨時代而變化不定。在三個多世紀裡，作為畫家、素描家與建築師的拉斐爾（1483–1520年）始終位列第一，被尊為藝術完美的化身。全歐洲有志於藝術的學子皆被教導要效法他的風格。進入現代後，藝術評論界的普遍共識卻是拉斐爾排最後，將他的藝術劃歸甜膩、公式化、缺乏情感且過度理想化的範疇。

紐約大都會藝術博物館的全新重磅展覽「拉斐爾：超凡詩意」（Raphael: Sublime Poetry），對此種評價進行了有力的反駁。展覽彙集藝術家令人歎止的素描、油畫與掛毯作品，充分展現了拉斐爾對鮮豔色彩、光影、空間及幾何形體等多重元素的駕馭功力。

策展人卡門‧班巴赫（Carmen Bambach）從全球六十多家機構及私人藏家處彙集了這些珍品。鑑於許多展品的脆弱性，展覽僅在大都會博物館一處呈獻。這也是此等規模的拉斐爾特展首次在美國亮相，為公眾領略其藝術全貌提供了千載難逢的機遇。

展覽布置大致以創作時間為序，237件展品中包括拉斐爾的老師、助手及同代畫家的作品。175件拉斐爾作品以素描為主體——達142件，涵蓋黑粉筆、鋼筆墨水及銀尖筆等多種媒材；展品說明詳盡解讀了其技法與構思。餘下33幅油畫則集結了其最負盛名的創作——從世俗肖像、歷史場景，到標誌性的「聖母子」主題。面對如此規模，班巴赫建議觀眾：「穿運動鞋！」

優美、諧和、技法完美——拉斐爾藝術的這些典型特質，在展覽中均得到了呈現，不過策展視角更側重突顯他持續不斷地探索與創新。素描是拉斐爾藝術發展中不可或缺的一環。展覽特別強調其多數作品所蘊含的人性、心理張力、動感、情感深度與敘事性，或許會給觀眾帶來嶄新的啟發。

博學多才的拉斐爾精通古代藝術，同時也汲取了年長的達‧芬奇與米開朗基羅的藝術精髓——他曾在佛羅倫斯和羅馬深入研究這兩位大師的作品。他學會了大膽展現精神、力量與雕塑般的宏偉感，卻依然不失其自有的優雅韻致。班巴赫認為，僅憑這一點，就足以讓拉斐爾與前兩位大師比肩。

藝術家的成長歲月

拉斐爾（Raffaello di Giovanni Santi）生於烏爾比諾，這座山城坐落於意大利中東部馬爾凱大區（Marche），其充滿韻律與諧和感的建築既顯露於當地畫家們的筆端，也在本次展覽的設計中得到呼應。拉斐爾的父親喬瓦尼‧桑蒂既是畫家，也是詩人，拉斐爾最初的藝術啟蒙便來自於他。

拉斐爾是位神童（他常被拿來與莫扎特類比，因兩人的藝術生涯都如彗星般璀璨，又都在三十多歲時英年早逝），很快便被送到彼得羅‧佩魯吉諾（Pietro Perugino）那裡學畫。從老師那裡，拉斐爾學到了優雅的風格、高超的技巧以及嚴謹的構圖方法。

現存拉斐爾最早一幅完全出自他手筆的畫作，近期經過修復處理，已確認歸屬，著實令人興奮。一同亮相展覽的，還有數件新近歸於他名下的畫作和經修復的作品。這些作品與最早那一幅——筆法極其精美的天使胸像殘片，形成鮮明的對比。

這幅畫像約創作於1500至1501年間，現藏於（布雷西亞）托西奧‧馬丁嫩戈美術館（Pinacoteca Tosio Martinengo）。它是《巴倫奇祭壇畫》（Baronci Altarpiece）僅存的三件殘片之一。

當時年僅十七歲的拉斐爾受羊毛商人委託，與另一位資深畫家共同創作了這幅巨製。正是在這份委任契約中，拉斐爾首次被稱為「大師」。這幅曾陳設在教堂內的祭壇畫歷經數次地震，最終在1789年遭到損毀。

經典的圓形畫

多件展品呈現了拉斐爾描繪聖母子像的造詣。其中最受矚目的當屬創作於1509至1511年前後的《風景中的聖母子與小施洗約翰（阿爾瓦聖母）》（Alba Madonna）。此畫由華盛頓國家美術館收藏，今次與法國里爾美術宮所藏兩幅草圖合璧展出。這一創作題材可追溯至早期教會，他為其賦予了溫柔的氣息、解剖學上的真實感，以及多層次的心理氛圍。

《阿爾瓦聖母》採用圓形畫幅——稱為「Tondo」，這種形式在1450至1515年間深受佛羅倫薩藝術家青睞。聖母瑪利亞並未端坐寶座，而是席地而坐，這在圖像學中稱為「謙卑聖母」（Madonna of Humility）。畫面的視覺焦點落在聖嬰手握的蘆葦十字架上，讓人聯想到耶穌的受難與復活的榮耀。

大都會博物館在說明中寫道：「（三位聖者）沿對角線交會的溫柔目光，揭示了同樣迷人的心理世界。」瑪利亞在凝視中接納了愛子的命運，蔥鬱的鄉野景致亦為畫面增添柔和氛圍。拉斐爾在風景畫方面其實極具天賦，只是不為大眾所知。

著名的肖像畫作

能在展覽中親睹《巴爾達薩雷‧卡斯蒂里奧內像》（Portrait of Baldassare Castiglione），實在是激動人心的事情。這幅由巴黎盧浮宮借展的作品創作於1514–1516年間，是文藝復興盛期最著名的肖像畫之一。

卡斯蒂里奧內在其重要著作《廷臣論》（The Book of the Courtier）中，系統地闡述了「sprezzatura」(「雲淡風輕」)的概念，意指貴族那種看似漫不經心卻優雅得體的舉止風度。拉斐爾曾與羅馬頂尖的智者們交好，卡斯蒂里奧內是其中一位。作為畫家摯友的他身著黑色天鵝絨和灰色皮草，反映了當時流行深色、低調服飾的風尚。

來自羅馬博爾蓋塞美術館的《年輕女子與獨角獸》（Portrait of Young Woman with Unicorn，創作於1505–1506年間）如《蒙娜麗莎》般富有神祕色彩。和達‧芬奇一樣，拉斐爾採用了四分之三側面構圖：女子頭部微微左轉，雙手在身前交疊，背景是一片風光。

據信這幅肖像是為訂婚或婚禮而作，畫中人可能是蘿拉‧奧爾西尼‧德拉‧羅維雷（Laura Orsini della Rovere），其家族徽章正是獨角獸。金髮、雪膚、盛裝——這位女子完美體現了文藝復興時期美之理想。

教宗的委託

拉斐爾在羅馬為教宗儒略二世及其繼任者利奧十世效力期間，是他最為高產的階段，任用了大量助手。1508年，25歲的拉斐爾抵達羅馬。憑藉出眾的才華與社交能力，他迅速贏得教宗青睞，取代前輩成為教廷首席畫師。

此後，他受命為梵蒂岡宮的四間廳室（合稱「拉斐爾房間」）繪製濕壁畫，其中以簽字廳的《雅典學派》（School of Athens）最為著名。本次展出的「畢達哥拉斯與弟子」草圖（約1509–1510年）來自維也納阿爾貝蒂娜博物館，是該壁畫罕見的構圖底稿。同場展出的還有另外三間廳室壁畫的底稿，並輔以大型數碼影片，全方位還原四個房間壁畫完成後的整體樣貌。

來自教廷的另一項重大委託，是為西斯廷禮拜堂設計紀念性的巨幅掛毯。這些掛毯僅在特定場合懸掛，映襯著米開朗基羅繪製的《創世記》天頂壁畫。自1515年起，拉斐爾主導構思，由其畫室協作完成原大底稿，隨後送往布魯塞爾織造。

由於造價極昂貴，這些掛毯的耗資一度令教廷財政陷於困境。因其視覺構思精妙，各國王室相繼訂購「副本」。本次展覽呈現的三件工藝精湛、保存完好的傑作，均來自西班牙國王腓力二世（1527–1598年）的私人收藏，這也是該批珍品首次離開馬德里。

拉斐爾講故事的高超技巧，在《撒網捕魚的神跡》（The Miraculous Draught of Fishes）這件掛毯中展露無遺。大都會博物館附加說明：其構圖「將漫長的敘事段落融於同一幅畫中，隨著情節展開而呈現；他在晚期作品中多次運用這一手法，包括他的絕筆之作——祭壇畫《基督變容圖》（Transfiguration，又名基督顯聖容）」。拉斐爾辭世後，其遺體停放於畫室時，此畫就懸掛在他頭頂上方。

儘管這幅氣勢恢宏、構圖繁複的祭壇畫仍留駐梵蒂岡城內，那些展現拉斐爾素描技藝巔峰的草圖，卻從世界各地匯聚一堂，引觀者屏息觀賞。其中，由私人藏家借展的《使徒頭像》（《基督變容圖》輔助草圖），曾於2012年創下4,780萬美元的拍賣紀錄。

另一幅黑色粉筆畫草圖創作於1519至1520年間，乃從牛津大學阿什莫林博物館借展，捕捉了聖約翰與聖彼得面對神跡顯現時迥異的反應。館方形容道：「拉斐爾將人物肌膚刻畫得極其細膩，卻讓肩膀、軀幹與衣袖近乎留白——即便如此，這些形體仍具有強烈的視覺衝擊力。」

拉斐爾生前事業有成，財富豐厚，被尊為「畫壇王子」。本次展覽將其晚期作品的戲劇張力與隨後盛行的矯飾主義（Mannerism）聯繫在一起，不禁令人發想：他若在世更久一些，畫風將會如何演變。

此外，拉斐爾的作品藉由版畫媒介廣為流傳，這對他在後世產生的深遠影響至關重要。而「拉斐爾：超凡詩意」特展讓觀眾得以親眼欣賞原作，從而領略他的非凡天賦。

「拉斐爾：超凡詩意」特展現於紐約大都會藝術博物館展出，將持續至2026年6月28日。更多詳情請參閱官網：metmuseum.org。

原文「‘Raphael: Sublime Poetry’: An Epic Exhibit at The Met」刊登於英文《大紀元時報》。

作者簡介：

米歇爾‧普拉斯特里克（Michelle Plastrik）是一位藝術顧問，居住在紐約。她撰寫的文章涉及藝術史、藝術市場、博物館、藝術博覽會和特別展覽等一系列主題。

責任編輯：嘉蓮@#