【大紀元2026年04月25日訊】（大紀元記者黃小堂紐約報導）第45屆The Photography Show由國際攝影藝術經銷商協會（AIPAD）主辦，於紐約Park Avenue Armory登場。台灣畫廊比劃比畫（Be Fine Art Gallery）首度參展，並於Focal Point展區呈現台南的當代地景藝術家李旭彬個展。作為本屆唯一純亞洲血統參展畫廊，比劃比畫將台灣當代地景攝影帶入紐約重要攝影盛會。
李旭彬的作品表面上觀看山林與地景，實際上處理的是土地、歷史、時間與人的關係。他表示，自己約五年前才因創作計劃開始爬山，起因是對台灣原住民族故事、山林歷史與複合身分的興趣。他認為，台灣七成土地是山區，但許多人對山與土地背後的歷史仍相當陌生；而台灣本身就是一個複合的地方，必須透過重新走入現場來理解。
在創作方法上，李旭彬借用山水畫的觀看方式，處理自然尺度與時間感。他提到，中國山水畫裡的時間往往很長，而他在《災難風景》等作品中，也透過黑白影像、大氣透視與宋代巨碑式山水構圖，使災後地貌不只是事件現場，而成為人與自然漫長拉扯的痕跡。
《災難風景》源自2009年莫拉克風災。李旭彬並未在災難發生當下拍攝，而是在一年後重返現場。他說，災難對自然而言，只是永恆裡的一段差距；但對人類而言，卻是巨大的災難。因此他鏡頭下的風災現場，往往不是戲劇性的崩塌，而是橋梁重建、河道整治、人造痕跡與自然景觀並存後的平和表面。
這種平和並不代表沒有衝突。李旭彬更關心的是「因果」：眼前所見如何形成、每一個結果背後經過哪些歷史、地質、殖民與人的行動。他以古典攝影工藝、藍曬法與紅茶調色處理部分作品，將物質本身也納入敘事。紅茶並非只是色調選擇，也牽涉台灣茶業、日本殖民與山地開發的歷史，讓作品的材料本身承載土地與歷史的重量。
李旭彬的創作也具有強烈的身體勞動感。他曾背著約20公斤的舊式相機與設備進入山林，使用大型相機拍攝。這種老式攝影方法速度緩慢，要求創作者在現場等待、移動、觀察，與土地發生直接關係。他形容，攝影並不只是按下快門，而是身體如何抵達現場、如何在現場停留，以及如何決定觀看的位置。
談到構圖，李旭彬說：「學構圖的話，你就看你喜歡哪個畫家，去看他的畫就好。」在他看來，攝影構圖是創作者的身體與現場之間反覆移動、調整後的結果。
他也曾追尋一位已故老攝影師數十年前在高山留下的影像，試圖找到一模一樣的拍攝地點。李旭彬說，若要理解一幅畫，可以站在畫前、與畫家的身體位置重疊；但若要理解一張高山攝影作品，攝影師必須真的爬上三、四千公尺的山，帶著裝備，呼吸稀薄空氣，站到前人曾經站過的位置，看著眼前「萬年不變的風景」。他說，那種身體感與概念「完全不一樣」，也是他認為最珍貴的部分。
比劃比畫總監Nicole表示，The Photography Show現場共有77間畫廊參展，主要來自美國與歐洲，比劃比畫是唯一純亞洲血統畫廊。她觀察，紐約市場的視覺口味相對「大鳴大放」，而李旭彬的作品則安靜、細膩，需要觀眾近距離觀看，花時間理解作品背後的意義與細節。
Nicole說，這次將李旭彬作品帶到紐約，希望給當地觀眾一種不同於主流攝影市場的觀看經驗。她也指出，國際社會談到台灣時，常想到半導體或代工，但台灣其實有深厚的文化底蘊與多元性；透過影像，是向世界說明台灣故事的一種重要方式。
第45屆The Photography Show於紐約Park Avenue Armory舉行，展期自至4月26日下午五點。
本次展覽獲文化部黑潮計劃支持。李旭彬的作品並非單純呈現美麗山景，而是透過山水畫視角、古典攝影工藝、身體勞動與歷史回訪，重新提問台灣土地如何被觀看、記憶如何被保存，以及人在自然與歷史面前如何找到自己的位置。
責任編輯：沁蓮
