【音乐教育】

察觉 放松 改善音乐练习之运动伤害

文 /沈亮宽
font print 人气: 239
【字号】    
   标签: tags: ,

【大纪元2013年07月27日讯】对于许多艺术表演工作者或运动员,良好的肢体运用至关重要,然而一些音乐家或运动员因不当姿势而造成运动伤害的例子相当多,我自己也曾因肌肉的使用不当而造成背部及手腕筋部拉伤,花了许多时间和金钱做复建,并因而妨碍了我的演奏生涯。因此,不管学音乐是走职业或兴趣,都要懂得如何适当的使用正确的姿势,以放松、协调及和谐运用来达到安适的练习过程。

坊间如何引导学生放松的技巧或方法多如过江之鲫,方法的利弊也是见人见智。在此针对“亚历山大放松技巧─Alexander Technique”做一概括性的探讨。那是十几年前我参加的一个音乐夏令营中所学到并行之有效的方法。

●“亚历山大放松技巧”建立好习惯

什么是“亚历山大放松技巧”?这个技巧最早期是澳洲的一位莎世比亚舞台演员佛兰德瑞克‧亚历山大(Frederick Alexander)所提出的,目的是重新检视人类生活中的简单动作,透过思考、过滤来使自己的身体找寻到最和谐及容易的状况。我个人从学习这个技巧中归纳出三点即是:一,我们先观察并去发现一个人不正确的使用肢体来练习的行为;二,把这些观察到的行为加以重整和学习;三,经由学习、重整后养成新的及正确的动作行为。

以学音乐为例,我经常看到许多学生也包括我自己,都是属于在某些特定姿势中,无法完全放松或无法取得肌肉间的和谐感而导致需要使用一些奇怪的部位来辅助的情形,例如手指或手掌的紧绷。在长时间姿势不正确的练习下,这些绷紧的肌肉或肌腱等处,会慢慢的形成痛点并逐渐延伸至手臂或至背部肩夹骨处,造成酸痛、疼痛或抽痛,进而产生肌腱炎、五十肩或网球肘等毛病,严重者甚至留下终生的疼痛及其他后遗症。当意识到自己肌肉或姿势的使用不当,除了休息放松以减少长时间紧绷造成的疼痛外,还可以做“亚历山大放松技巧”来修正并重新学习正确的使用方式,最后将其矫正至建立正确、良好的新习惯。

●控制头颅及躯干的互动关系

“亚历山大放松技巧”一开始是“头部”的控制。因为“头部”是造成人体身体垂直线的主要因素,所以控制头颅及躯干的互动关系便是主要因素,而最重要的原理是要以想像自己的头被轻轻地搁在脊椎骨的上端,放松而不要去紧控它,把所有重量往下沉并以非常放松的姿态来维持此姿势。

一般人经常由脊椎及颈项来控制我们的头部,无形中牵动、拉扯着肌肉,长时间维持相同的姿势而无法放松,酸痛随之而来,久而久之还会发炎或失去肌肉的控制力。因此,有意识地去感觉头颅只是轻轻搁在脊椎上方,顿时,全身也会感到柔软、松弛。此技巧相信人是可用“心”和“意念”来改变并除去旧习。了解自身难处所在,便可藉由观察来发现自己肢体或肌肉使用不当之处,接着找寻新的且有效的方法使肢体运作更自然、轻松,无形中学习者的问题得到妥善的“改善”与“解决”的正面讯息,更会带给学习者自信。但切记,旧习可除,却非一朝一夕,是需要相当的毅力及练习,最终才可达到所要之效果。

“亚历山大放松技巧”的老师们通常不需以赘言来描述,他们大多以手来引导并接触学习者,因为这是最直接的以手引导头悬立在脊椎上端的轻松感。“不要努力去做,但要努力去不做”(Do not do it too hard but undo it)是“亚历山大放松技巧”的名言。它是一种根本治疗,将其放松感、轻盈的带入音乐的练习,相信恶习可慢慢去除,最后达到一种全身协调之和谐感,音乐的练习可以更安适、更自在!

沈亮宽来自台湾,Nyack college讲师。专业长笛演奏,并有24年教学经验。2007年取得皇后学院音乐教育文凭,2007取得纽约州教育证照,1998年纽约大学音乐演奏硕士。曾获纽约器乐杰出成就奖、西方凯斯储备大学甘迺迪音乐创意奖、台湾长笛演奏成人组冠军。

(责任编辑:索妮雅)

如果您有新闻线索或资料给大纪元,请进入安全投稿爆料平台。
related article
  • 教学生涯中,常有学生或家长抱怨某些练太久的曲子可否换成新曲子,以免太枯燥而索然无味?有时也会遇到学生、甚至家长来请求不要练习基础的东西,如音阶、琶音等等行不行?又或者少练一点可不可以?而我总是反问他们,是不是可以不吃饭或、天天喝几口水来过日子呢?
  • 许多学生在练习乐器的过程中,时常会忘记或忽略慢练的好处,总认为快,才能显现自己的了不起、才感觉过瘾,殊不知欲速则不达,一味求快,很容易浮现技巧性及音乐性的问题,致使练习进程迟滞不前;相反的,以慢工出细活的方式练习,才能达到事半功倍的效果。
  • 许多人时常有个错误的观念,认为只有声乐、铜管或任何吹奏的乐器,因有换气的需要,才需要呼吸,殊不知钢琴、弦乐器或甚至打击乐器都需要呼吸来帮助肌肉和心情的放松,并藉由呼吸来提升演奏及诠释的技巧。手指技巧固然重要,但这些技巧都需要一条无形的扭带将之串起而组成有生命的乐音,那就是呼吸。
  • 教学中常会遇到学生搞不清楚休止符这个符号真正的用意在哪儿,大家都知道休止符是“休息”,但却极少数人会将它视为“音符”。当学生对于休止符可有可无的对待,时常让我感到不解,我便问他们一句话:“你们认为无法开口说话而需用手语的人是不是也和我们一样都是人呢?如果答案是肯定的,那么休止符也是和其他音符一样的。”
  • 许多学生在音乐演奏开始前,往往耐不住性子就急忙的开始;或演奏完一曲时,就急忙的将手中的乐器放下,好像多停留一秒钟都觉得多余。然而,从这一小小动作可以看到学生对待乐曲的态度,并且透露其音乐老师的教学品质。
  • 许多学生在音乐演奏开始前,往往耐不住性子就急忙的开始;或演奏完一曲时,就急忙的将手中的乐器放下,好像多停留一秒钟都觉得多余。然而,从这一小小动作可以看到学生对待乐曲的态度,并且透露其音乐老师的教学品质。
  • 我喜欢开车时听音乐,在怀儿子的整个孕期,车上听音乐的习惯也从无间断过。儿子出生后,不论孩子是否听懂,我一定放上各式各样的音乐让他聆听。随着他渐渐长大,边听音乐我就会边告诉他关于曲名、简短的作曲家介绍及一些我自己对曲子的理解和曲子应用的手法等。当乐曲中的乐器出现比较特殊的手法,如振音、装饰音或不同之拍号等等,我都会告诉儿子并以最浅显的解释让他知道,甚至有时不管他是否能理解或听懂,我纯粹只是想让儿子知道我的想法而已。我深信,久了,孩子不但会习惯,随着年龄的增长,到了一定程度,也慢慢会开始发问,并有自己的想法与意见。
  • 音阶(Scale)的练习,相信对许多学生而言,经常是苦不堪言的一件事,但它却又是学习音乐不可或缺的重要练习之一。大部分的学生练习音阶很容易流于只重视速度,而忘了这枯燥的练习也可以是很有特色及感情的。
  • 自古以来,只要是学习一门技艺,大部分都是从模仿开始的,而模仿也正是学习的一种手段。在学习音乐的过程中,模仿名家或老师的演奏方式是学习者最初的一个重要阶段,从手型、指法、位置和动作,再扩展至每个音的音响要求和把握,以及对整个乐曲的速度、力度和音色等,学习者都可以先试着模仿。然而,模仿只是一个阶段,而不是学习者最终追求的目标。藉由模仿而慢慢消化为自己的东西后,诠释的音乐才能有自己的风格。否则,一味的模仿,技术再纯熟只是抄袭而已。
  • 在学习音乐的初始,学生们大多会将老师的话当成一道圣旨来听从,被动的等待下一个学习指令。但音乐学习是一个需要不断自我练习的过程,老师不可能随时在身边给予指导,因此一开始帮学生培养自我练习的好习惯,减轻学生们的依赖心理,即是关键的一课。随着学生年龄的增长、知识的积累和技巧的熟练,老师也该训练学生拥有自己的思考及批判的能力,最终训练学生成为他自己的老师。
评论