大卫‧罗桑教授盛期文艺复兴主题独家专访之三

凡圣之间:哥大罗桑教授讲解《岩间圣母》

张小清
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【大纪元2015年05月07日讯】(大纪元记者张小清编译报导)按语:意大利是西方人文主义传统的发源地,但丁、彼得拉克和薄伽丘作为文学界的先驱,拥有“文坛三杰”之美誉;到了16世纪的文艺复兴盛期,达‧芬奇、米开朗基罗和拉斐尔三位巨匠则写下了西方艺术史上最辉煌的篇章,并称“画坛三杰”。美国哥伦比亚大学著名艺术史家大卫‧罗桑(David Rosand)教授,生前曾受大纪元记者之邀讲述三大师创作精髓。今就存世录音资料编译为四讲,和读者分享。达‧芬奇的《岩间圣母》有两个存世版本,今分别收藏于伦敦国家画廊和巴黎卢浮宫。罗桑教授讲解的是较早创作的卢浮宫版本。

达‧芬奇(Leonardo da Vinci,1452—1519),《岩间圣母》(Virgin of the Rocks),作于1495—1508年,板上油画,189.5×120 cm,巴黎卢浮宫藏。
达‧芬奇(Leonardo da Vinci,1452—1519),《岩间圣母》(Virgin of the Rocks),作于1495—1508年,板上油画,189.5×120 cm,巴黎卢浮宫藏。

说到《岩间圣母》这幅画,达‧芬奇再次对这一主题进行了相当标准的图像程式处理,不过同时,也是以他自己非常非常独到的方式。

人神之间的张力

绘制圣母子的传统非常悠久,在对圣母玛利亚和她的孩子基督的呈现中,经常可以看到她升至天上的宝座,作为天上母后(Queen of Heaven)被拥戴;另一些画中,她则坐在地上,以谦卑圣母(Madonna of Humility)的形象出现。

这两种视角就其宗教含义来说都很重要,对画家也是如此:某种意义上,圣母玛利亚是作为天上母后被赞颂,但她也是一位母亲——后一视角至关重要,因为她成了人神之间的一种连结:她的儿子下世就会面对死亡,且他确实付出了生命;在最后的审判时,圣母将是代表可怜的灵魂求神开恩的主要人物,她将恳求上帝既秉持正义又能慈悲于人。她是我们的代祷者。

她也是神的人性之源,也是因此,她成为基督下世的管道;需要强调的是,她虽然怀孕又生育,但她永远保持童贞之身,这也是基督教一个难解之处,而这种不合理、这种矛盾性,亦即人神之间的张力,又是基督教的中心教义之一,最终它也给予我们谈论的艺术家——达‧芬奇以一种非常重要的表现空间。

四个人物形成一体

画中的景色并不迷人,单从这一点来看,达‧芬奇并不是在绘制草地上的休闲野餐。我们看到的情形是,玛丽亚跪在地上,向处于画面最底部的圣婴伸出一只手臂:这是神来到人间,基督的降临也是其谦卑品质的体现;这是高层的神转生到最低层次。再强调一下,这是基督教教义中非常重要的一部分。

圣母子有一位天使陪伴,后者成为画中的关键人物,这在15世纪是十分标准的呈现方式——不只在15世纪,但在15世纪意大利祭坛画中特别常见,即与观者建立互动的人物邀请我们进入情境。

天使的手指向画面对侧的另一个人物——比基督稍大一点的婴儿,两个婴儿的比例都很匀称,发育很好。那是基督的表兄施洗者圣约翰,这里他由圣母带入了亲密的家庭场景。这是达‧芬奇的独创。他为此画所作的素描草图只绘制了圣母照顾圣婴,但最终的画作却凸显了圣母作为凡人的母性一面。当年幼的约翰长大后,他会在荒野中度过40年,然后回来宣讲基督的来临;他将为基督施洗,由此使洗礼成为教会的圣礼之一。

《圣母领报》草图(Studies for a Nativity),钢笔和棕色墨水,193×162 mm,美国大都会艺术博物馆收藏。达‧芬奇留下了数百个笔记本,上面以素描记录了他的各种探索。在这组速写中,圣母跪地,举起右手对圣婴做出祝福的手势,日后演变成了《岩间圣母》。
《圣母领报》草图(Studies for a Nativity),钢笔和棕色墨水,193×162 mm,美国大都会艺术博物馆收藏。达‧芬奇留下了数百个笔记本,上面以素描记录了他的各种探索。在这组速写中,圣母跪地,举起右手对圣婴做出祝福的手势,日后演变成了《岩间圣母》。

达‧芬奇此画有趣之处在于,和《最后的晚餐》一样,他再次让独立的人物形成一组,让他们成为互相连结的一体——在16世纪中叶,瓦萨里也认识到了达‧芬奇的伟大之处。

在这幅画中,当圣母伸出手臂揽住约翰的肩膀,她的斗篷张开,将他纳入群体。约翰是个局外人,从外围进入场景,而圣母则在欢迎他、接纳他。约翰问候他的表弟,基督则转向约翰,做出祝福的手势;向外注视着我们的天使,一只手直指约翰,完成了所有人物之间的相互呼应。同时,画中还有一处旨在强调的呼应:在基督的头顶是天使的一只手,再上面则是圣母之手。

基督伸出两个手指,做出祝福的手势,后来圣徒们会用这种手势代表基督,教皇祝福民众也会做出此手势。另一方面,直指约翰的天使则扮演着居间沟通的角色,为观众进入画面指明路径。

玛利亚在基督正上方的手作出另一种祝福的手势,仿佛即将轻柔地落于孩子的头顶。由此,我们看到了人物的各种手势,达‧芬奇将其交织在一起,为不同人物的动态创造出一体感。

达‧芬奇,《岩间圣母》(Virgin of the Rocks)局部,巴黎卢浮宫藏。
达‧芬奇,《岩间圣母》(Virgin of the Rocks)局部,巴黎卢浮宫藏。

达‧芬奇,《岩间圣母》(Virgin of the Rocks)局部,巴黎卢浮宫藏。
达‧芬奇,《岩间圣母》(Virgin of the Rocks)局部,巴黎卢浮宫藏。

基于观察的自然哲学

这幅画更引人注目之处,与后世何以为其取名“岩间圣母”有关。这种风景相当具有达‧芬奇的独创性,他的前辈画家笔下的幻想风景很少和圣母有关,幻梦一般的岩层大多出现在“旷野中(或沙漠中)的圣哲罗姆”这样的题材中。但对于达‧芬奇来说,幻想是基于现实的;达‧芬奇不仅是伟大的画家,不仅是数学家,他也是一个地质学家,他研究地球。

他认识到,地球不仅是上帝在第六天创造出来(然后就去休息)的东西,地球自身携带着亘古演变中的全部印迹。这个过程中,达‧芬奇可以说在重申着某种古老的自然哲学,但基本上,他的观察还是基于自己的经验,如他一贯所主张的那样。

他仔细观察石头,当他发现山上有化石,会推断那里一定发过大洪水。我的意思是,他的创作建立在非常仔细观察的基础上,这是他一直都在阐述的创作观。而他也看到,地球经历了暴力般的动荡,而最大的暴力来自于水,他曾谈到水的力量,以及岩石如何被水消蚀。

随着时间的推移,一切都在无常变化,这一点深深触动了达‧芬奇,也把我们带回到他对艺术、对速写的态度上来:达‧芬奇认为草图不需要定稿,因为你会想要修改它,画总是要改的。在这个意义上,他对岩石的体认,也在于它已经过了时间之手的镌刻——大多是水的作用使然。

达‧芬奇也曾尝试通过素描表现他的“大爆炸”观念——他看到了自然“暴力”的一面。他猜想地球的中心是火,让外围的水沸腾、流动不止。他也画人体解剖图,他是第一个伟大的解剖学家,率先从各个层面探索人体。

超越线条的晕涂法

关于达‧芬奇,还有一方面很重要——他是个油画家,他的画法总体上被称为“晕涂法”(Sfumato),这个词在意大利语中的原意是“淡化”、“如烟”。纵览达‧芬奇留下的文字,他认为,正如自然中本没有轮廓线,面部的轮廓线其实是人为画出来的。如果面部动了,或者观众的视角变化了,线条都会变,但其中也会有种连贯性。而他所做的,就是面部边缘的周围创造出晕染效果,使面部的线条变得朦胧。在其画家生涯的晚期,面部的阴影变得如此深暗,你几乎看不到任何线条。

在某种意义上,画家试图从油画艺术自身的限定中解放自己,虽然他不得不用线条来表现结构,但是画中所有面孔都被柔化了。

岩石的象征含义

那么,画中的风景——那些奇特的岩石呢?仅只是因为达‧芬奇觉得自己是个地质学家、想要画这种风景吗?还是它们有着某种象征意义?我在这里提出这个问题,明显是在假设着某种答案,即便它不是绝对的答案。

晚近对达‧芬奇画作的诠释自弗洛伊德开始,他认为前者的绘画承载着各种有趣的含义,但在这幅画中,嶙峋交错的岩石可能有其它内涵,这些内涵并不是互相排斥的。

随着时间的推移,圣母玛利亚获得了各种有象征意味的称号,她身上有种种宝贵的价值,她被与各种事物做比,人们将她和岩石做比、和山峦做比,借此体现出她比这一切都伟大和久远——我们必须回到教义上来,即玛利亚是从一开始就存在的神。这在神学上又是一件难解之事,但也很重要。

对达‧芬奇来说,这些岩石只代表时光流逝、代表大地的坏灭。而让圣母置身岩石间,显然是在提示一种鲜明的对比,画家仿佛是在向观者发问:这有什么象征意义吗?

一旦你提出这个问题,其实答案就在那里;而神学家更不会对这种对比的呈现方式提出质疑。这就是作为画家的特殊之处,他们不只知识渊博,他们也将可能的绘画形式赋予这种特殊的文化——特殊的宗教文化。这是达‧芬奇的伟大成就之一。**

女孩头像,作于约1483年,银尖笔、白色高光,181×159 mm,都灵图书馆藏。杰出的艺术专家伯恩哈德.贝伦森(Bernhard Berenson)称此画为“世界上最美丽的素描”。它被认为是卢浮宫所藏《岩间圣母》中天使的习作。
女孩头像,作于约1483年,银尖笔、白色高光,181×159 mm,都灵图书馆藏。杰出的艺术专家伯恩哈德.贝伦森(Bernhard Berenson)称此画为“世界上最美丽的素描”。它被认为是卢浮宫所藏《岩间圣母》中天使的习作。

达‧芬奇(Leonardo da Vinci,1452—1519),《岩间圣母》(Virgin of the Rocks),作于1495—1508年,板上油画,189.5×120 cm,巴黎卢浮宫藏。
达‧芬奇(Leonardo da Vinci,1452—1519),《岩间圣母》(Virgin of the Rocks),作于1495—1508年,板上油画,189.5×120 cm,巴黎卢浮宫藏。

大卫‧罗桑教授简介

大卫‧罗桑教授。(collegeart.org)
大卫‧罗桑教授。(collegeart.org)

大卫‧罗桑(David Rosand,又译:罗桑德)教授生于1938年,1964年起任教于美国哥伦比亚大学,四度担任该校艺术史系主任,兼任哥大米里亚姆和艾拉‧D‧瓦拉赫艺术画廊主任,美国国家艺术与科学院院士。代表作包括《16世纪的威尼斯绘画︰提香、韦罗内塞、丁特列托》(Painting in Sixteenth-Century Venice: Titian, Veronese, Tintoretto),《素描精义》(Drawing Acts)一着已出版中译本。罗桑教授1997年获哥伦比亚大学杰出教师奖,2007年获文艺复兴协会颁发的终身成就奖,2014年病故于曼哈顿。

责任编辑:林妍

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  • 《岩间圣母》(189.5X119.5釐米 )由文艺复兴时期意大利著名画家达﹒芬奇所画,现藏伦敦国立美术馆。此画是画家为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。
  • (大纪元记者张小清综合报导)电影《达芬奇密码》(Da Vinci Code)的同名原著出版十年后,美国作家丹·布朗(Dan Brown)的新作《炼狱》(Inferno)已于当地时间14日(周二)在欧美上市。
  • 去意大利旅游,经过几次米兰,印象中总是满满的人,满满的车,五步一红灯,十步一转弯。这次真正驻足,好好欣赏了这个热闹的文化古都。
  • 百多年前, 欧洲在经历了被称为“黑色瘟疫”的四分之一人口死亡之后,欧洲文艺复兴悄然开始……幸存下来的人们,主动找寻远古思想家们的优秀亮点。宗教政界名流都以研讨Plato柏拉图高尚思想为荣;商界以收藏购买米开朗基罗、达芬奇等艺术家作品为荣,他们希望以此追随高尚思想和精美艺术的方向。
  • 列奥纳多‧达‧芬奇(1452–1519),是意大利文艺复兴盛期的一位博学者。除了画坛巨匠,他也是雕刻家、建筑师、音乐家、数学家、工程师、发明家、解剖学家、地质学家、制图师、植物学家和作家,然而,您可知道,他也是一位善与学徒合作的老师?
  • 说到文艺复兴的艺术,一般人立刻想起达文西、米开朗基罗、拉斐尔等等最有名的大师。其实在人称Quatrocento的十五世纪意大利,正处于西方艺术迈向顶峰的前夕,人文荟萃,百家争鸣。前述三位大师也是在前人奠定的基础上完善艺术的,他们各自的养成中也都遇到过“名师”的调教或影响。如达文西是委罗基奥的学徒;米开朗基罗在基兰达优工作室“实习”;拉斐尔则深受佩鲁吉诺的熏陶。这些前辈都是当时最负盛名的艺匠,对整个文艺复兴的艺术发展也有举足轻重的地位。
  • 按语:意大利是西方人文主义传统的发源地,但丁、彼得拉克和薄伽丘作为文学界的先驱,拥有“文坛三杰”之美誉;到了16世纪的文艺复兴盛期,达‧芬奇、米开朗基罗和拉斐尔三位巨匠则写下了西方艺术史上最辉煌的篇章,并称“画坛三杰”。美国普林斯顿大学著名艺术史家大卫‧罗桑(David Rosand)教授,生前曾受大纪元记者之邀讲述三大师创作精髓,配合以代表作的赏析。今就存世录音资料编译为四讲,和读者分享。标题均为记者所加。
  • 这段佩鲁吉诺职业生涯创作最紧密的同时,意大利文艺复兴画家们的肖像画技巧也达到成熟,成为那个时代最突出的艺术发展成就之一。画展展出了佩鲁吉诺为佛罗伦斯丝绸商人Francesco delle Opere作的肖像,被画家传记作者瓦萨里称赞誉“生动至极”。
  • h2>从神圣到世俗 1490年代起,佩鲁吉诺开始处理一些世俗的主题,这是在他的创作中比较少见的。1490年代的《阿波罗与达夫尼》(Appollon et Daphnis) ,一般认为是为罗伦左.美第奇而创作。画面中坐在左边吹笛的青年,是传说中仰慕艺术之神阿波罗的牧人达夫尼,而右边如古希腊雕像般“对立式平衡”(contrapposto)姿态聆听的显然是阿波罗,从他脚边的弓箭和七弦琴可以确认身份。达夫尼容貌略似美第奇家族的“伟大的罗伦左”,暗喻了这位佛罗伦斯艺术、诗歌的保护人和他为艺术付出的使命。在这样一个细致的色彩及其细腻变化的作品中,佩鲁吉诺成功的创造了一种深度的内在微妙感情的氛围,给予风景一个新的地位。
  • 就达‧芬奇来说,其最有名的画作当然是壁画钜作《最后的晚餐》(The Last Supper),这幅画向我们展示了西方艺术——特别是西方基督教艺术一个非常基本的主题。画作根植于基督教,这是我们理解它的重要视角。达‧芬奇所做的事,就是创造一个充满了标准图像符号(iconography)的场景,也就是在“最后的晚餐”中围在基督身边的门徒的组合,这是基督被拘捕前最后一次与门徒共进逾越节晚宴,此一绘画题材在佛罗伦萨源远流长。
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