藝術的時空之旅(十三)傳統油畫技法探究(六)

作者:Arnaud

《薩賓的婦女》(《Les Sabines》),布面油畫,385 x 522厘米,法國新古典主義畫家大衛(Jacques-Louis DAVID)作於1799年。巨大的畫面上看似千軍萬馬的氣勢其實並沒有耗費作者太多的精力,因為他們幾乎都被處於前景的幾個人擋住了。所以作者只需要集中精力描繪好數目不多的主體人物,再加上一些遠處的長矛和背景便省去了再多畫一千人的麻煩。此作現存於盧浮宮。(公有領域)

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在繪畫中人物的大小往往也與畫幅成一定的比例,雖然這沒有規定,但通常情況下不同大小的人物可以使畫面達到不同的效果。在以景觀為主的視幅中,人物往往不大,但這要排除那些大型天頂畫、壁畫等情況。而人物占畫幅面積較多的主體人物類型畫則是為了烘托出一些類似舞台劇的效果。這種作品在新古典主義時期常見,比如大衛(Jacques-Louis DAVID)的《薩賓的婦女》等畫作中都用這一手法。往往這樣的作品視點集中,情景感強,有可以靈活變化規模的背景,形成不同的環境效應。這樣既突出了主體又彰顯了氣氛,是很成熟的構圖法。

《薩賓的婦女》(Les Sabines),布面油畫,385 x 522厘米,法國新古典主義畫家大衛(Jacques-Louis DAVID)作於1799年。巨大的畫面上看似千軍萬馬的氣勢其實並沒有耗費作者太多的精力,因為他們幾乎都被處於前景的幾個人擋住了。所以作者只需要集中精力描繪好數目不多的主體人物,再加上一些遠處的長矛和背景便省去了再多畫一千人的麻煩。此作現存於盧浮宮。(Mbzt/公有領域

還有些畫的主體即是整個畫面。因為畫面上眾多的人物,龐大的場景,卻難以找出哪一個人、哪一件物耗去了作者最多的精力與時間,這就有些像廣角風景畫。這些全景畫如果畫得好也是很打眼的,比如阿爾特多斐(Albrecht Altdorfer)的那幅戰爭畫,就是靠著非凡的耐力而繪製成功的。不過這類作品往往繪製於較早的時期,因為後來的人常善於使用焦點透視法將前景的人物擋住大部分後面的景物和內容,節約了大量的時間和精力。

《亞歷山大之戰》(La Bataille d’Alexandre ),德國多瑙河畫派代表畫家阿爾布萊希特·阿爾特多斐(Albrecht Altdorfer)作於1529年,158.4 × 120 厘米。阿爾特多斐的這幅以細膩筆觸描繪的戰爭畫面陣容空前,場面令人震撼。繪製畫面上不計其數的士兵和戰馬需要畫家以不厭其煩的耐心來精心描繪,德國人嚴謹的風格展露無遺。此作現藏於德國慕尼黑美術館。(Alonso de Mendoza/公有領域

從藝術美學角度上講,擁有主次、虛實的作品往往具有相當的藝術感染力。一個好的組合可以突出作品的美和作者的技藝。所以藝術家在構圖與選擇定位上要有一個冷靜的思考與認識,切不可頭腦一熱而匆忙行事。要知道,一幅像樣的作品在創作過程中是需要一定時間的,而在繪製過程中能夠始終促使作者保持原定不變的構圖而繼續深入下去的,則是那優秀構思的價值和美的力量。

理想與現實往往有一定的差距。畫家的思想中所要表達的東西,一到畫布上往往就發生了變化,這就是為什麼有的畫家總是不滿意自己的作品,因此不斷地畫,希望超越已有的水平。通常,在一幅畫中想把方方面面的構思或內容全部都呈現出來總有一定的難度,所以會有不同的畫作從不同角度來表現各方面的內涵。這是很合理的。因此在對題材、內容上就要有一個取捨,有每一幅畫中不同的主題與側重,而不是面面俱到。也只有這樣,藝術才多樣,才豐富。

許多優秀的作品往往是高質量的體現。它們都有一個特點,那就是裡面的人物、構圖設計都經過了反覆的推敲,使畫面中的每個個體單位都發揮其意義和作用。假設畫面上存在一個沒有經過深思熟慮、對畫面沒有很高價值的人或物,那麼作者在調整構圖時一定會將其刪掉。也就是說,畫面上的每個個體都必須起到很大的作用,就像寫詩一樣,沒有一句是廢話。畫面上每一件東西都不能隨便存在,都必須有它存在的價值和意義。但是近代有許多畫家,畫人物畫往往一畫就是一大幫人,這種情況造成了一些粗製濫造的習慣。因為人物眾多的畫作同樣要求質量。

有的畫家在畫面中把一群一群的人物以其位置的緊密或松疏分成不同的團、組,以其中每一個團體人物作為個體單位,而將團體中具體的單個人物視為個體單位中的細節。可是細節也有它存在於畫面中的具體位置、在個體中的重要成分、構圖、虛實等因素存在,所以仍然不能夠馬虎,該虛的人物也得虛下去,以突顯出主體的畫「實」的部分。一幅畫總是得經過很好的思考,從而在作品中做出好的取捨。

《聖母升天》(Assomption de la Vierge),濕壁畫,1093 x 1195厘米,意大利藝術家柯列喬(Correggio)於1526~1530年間為巴馬市的聖·喬萬尼大教堂圓拱穹頂所作。由於強烈的透視,畫家將畫上的人物分成不同遠近層次的團體,繪製時一組一組地完成。由於「近實遠虛」的透視法原則,最遠處的那些天使幾乎完全「虛」入了金黃色的光芒之中,成功地表現一個層層向上延伸直至光明的天堂的壯麗景象。(Livioandronico2013/公有領域

這些諸如利用透視通過大面積的前景人物擋住後面人物之類的構圖法直接牽扯到作畫的速度問題,但作畫速度還與繪畫技法自身的特點也有著密切的關係。畫一張畫所需要時間的多與少對於不同的人也有所不同。一幅一米見方大小的油畫,有的人可能連續兩三個星期就畫完了,而有的人可能就得畫上半年。古代的意大利畫家和早期尼德蘭畫家畫同樣大小、同樣內容的作品時,尼德蘭畫家由於細密畫的技法特點可能就要多花出數倍的時間。當然在今天,大多數人作畫已不像那個時代那樣劃分得那麼精細,但仍有一些人熱衷於「超級寫實主義」(即「照相寫實主義」),從而攀比細節的精微。

當然畫得真實是理所應當的,不論是楊·凡·艾克(Jan van Eyck)或凡·德·威頓(Van der Weyden)都畫得細緻入微、絲絲入扣,但在這方面鑽進牛角尖,走向極端,攀比成風,反而忽略了主題、立意等更為根本的東西,不能做到著眼於大處、堂堂正正地去研究藝術,相反所畫的卻都是破牆角、異型機械零件、斷了把的爛椅子等等。花費那麼多的時間和精力,去描繪一些沒有積極意義的東西,這是在耗費生命,畫得再像也不等於作品就是傑作。比如說一堆糞畫得再精緻細膩也只能倒人胃口。同時,作品一味主張處處都「酷似」的細節,失去了繪畫藝術該有的取捨、虛實,喪失了空間感。在各種可能需要進行藝術處理的地方反而被物象牽住了鼻子,藝術家卻失去了主念。事實上,那些類似照片般精確的東西往往看起來很平,立體感不足,在質地上像用紙做的。而有時甚至於描繪時常常借用的照片還讓人覺得不像所照的人物,無法傳神……因此,正統的繪畫技法是為作品的主旨、立意,為藝術家對於藝術的感悟,為人類道德在藝術中提升的表現而服務的,而單單在技法上走極端的行為是不合適的。(完)@*#

——轉自《正見網》

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責任編輯:王愉悅

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  • 許多優秀的作品往往是高質量的體現。它們都有一個特點,那就是裡面的人物、構圖設計都經過了反覆的推敲,使畫面中的每個個體單位都發揮其意義和作用。假設畫面上存在一個沒有經過深思熟慮、對畫面沒有很高價值的人或物,那麼作者在調整構圖時一定會將其刪掉。也就是說,畫面上的每個個體都必須起到很大的作用,就像寫詩一樣,沒有一句是廢話。畫面上每一件東西都不能隨便存在,都必須有它存在的價值和意義。
  • 這是德國畫家阿爾布萊希特·丟勒(Albrecht Durer)於1500年所作的自畫像。嚴謹細膩的多層罩染技法將幾乎所有的細節都刻畫入微,連頭髮都絲縷可數。造成這種真實感的一個重要因素就在於作者對光、影、色以及轉折處細膩的過渡處理。甚至於每一小縷頭髮、鬍鬚都仔細地由高光部分漸漸過渡到平光的亮部,再細膩地過渡到測光的灰調面,逐漸穿過明暗交界限達到反光部分直至投影。
  • 在繪畫中,對於每一個環節的處理上儘量保持一定的簡單方便相對來講是很重要的。因為在每一步驟中的目的單一一點兒就容易專心致志以達到成功。比如說在白紙上畫一個什麼東西,如果什麼輔助線、大體形狀、整體計劃都沒有,一上來在一遍之內就要求全因素全部到位那就太難了。
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