歌剧如何成为巴洛克时代的视觉盛宴

ARIANE TRIEBSWETTER撰文 纪安娜编译
1761年,加布里埃尔‧圣欧宾(Gabriel Saint-Aubin)在巴黎王家宫殿剧院上演吕利(Lully)的歌剧《阿尔米德》(Armide)。波士顿美术馆。(公有领域)
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歌剧是众人公认最高的艺术形式。歌剧集声乐、管弦乐、戏剧和情感于一身,无疑是最完整、最复杂的艺术形式。

歌剧的起源可以追溯到意大利文艺复兴时期,开始时是一项复兴希腊古典戏剧的实验。到了巴洛克时期(1600年─1750年),歌剧达到了顶峰,成为吸引全欧洲观众的艺术奇观。这种艺术形式逐渐成为那个时代的精髓,并预示了其400年后的发展。

源自希腊戏剧的歌剧

歌剧首次出现于1600年代初期,是一种通过音乐的情感力量来增强戏剧文本效果的方式。虽然巴洛克歌剧有多种来源,但文艺复兴时期对古代文本的迷恋促使意大利艺术家创造了这种耳目一新的表演和音乐形式。

佛罗伦萨卡梅拉塔(The Florentine Camerata)是佛罗伦萨的知识分子和音乐家组成的团体,他们决定通过音乐重新讲述希腊戏剧的故事,因为古代戏剧通常通过歌曲或台词来表达情感。他们创造了歌剧的传统元素:舞蹈、参与及评论表演的合唱,以及个人直接演唱和反思性独白之间的交替。与使用复调音乐(多个旋律线的组合)的传统文艺复兴音乐不同,佛罗伦萨艺术家将这种音乐风格建立在单声部的基础上。

一般认为,雅各布‧佩里(Jacopo Peri,1561年─1633年)于1598年创作了第一部歌剧,名为“达芙妮”(Dafne)。虽然这部歌剧现已失传,但它与佩里于1600年创作的《尤丽迪丝》(Euridice)皆是公认最早的歌剧。和许多其它早期歌剧作曲家一样,佩里从以音乐为中心的古典神话中汲取灵感。

《达芙妮》讲述音乐之神阿波罗(Apollo)使得仙女达芙妮(Daphne)变形的故事;《尤丽迪丝》讲述了奥菲斯和尤丽迪丝(Orpheus and Eurydice)的爱情故事,以及奥菲斯如何用音乐迷惑冥界的灵魂。然而,这种新风格的音乐和舞台表演中的故事并不像原来的神话那么具有悲剧性。略加修改的文本产生了更加正面的结果。

作曲家雅各布‧佩里(Jacopo Peri)在《La Pellegrina》(1589年)第5首中场音乐剧中身着表演服装。1589年,由贝尔纳多‧布翁塔伦蒂(Bernardo Buontalenti) 创作。(公有领域)

虽然佩里创作了第一部歌剧,但人们普遍认为克劳迪奥‧蒙特威尔第(Claudio Monteverdi,1567年─1643年)才是第一位真正的歌剧作曲家。他的《奥菲欧》(L’Orfeo)于1607年首次上演,根据俄耳甫斯(Orpheus)神话创作,是第一部歌剧杰作。

戏剧性的统一

歌剧在蒙特威尔第(Monteverdi)的作品中达到了成熟。作曲家通过歌剧发展了音乐风格,并将其提升到了新的戏剧高度,实现了诗歌、音乐和戏剧的完美融合。总的来说,他创造了一种新的舞台表演形式。

克劳迪奥‧蒙特威尔第(Claudio Monteverdi)的肖像,1630年,贝尔纳多‧斯特罗齐(Bernardo Strozzi)创作。(公有领域)

蒙特威尔第可说是文艺复兴时期和巴洛克音乐时期之间的过渡人物,也是一位先驱。他的音乐承载着戏剧情节,塑造了人物,并让他们热情而优雅地表达自己的情感。

蒙特威尔第的《奥菲欧》(L’Orfeo)就是一个完美的例子。他采用了雅各布‧佩里和朱利奥‧卡奇尼(Giulio Caccini)等早期作曲家所使用的希腊神话,并将重点集中在文本上,发展出“宣叙调”(recitativ)风格——一种歌曲中的言语形式,以朗诵的风格演唱歌词,遵循语言的自然规律和节奏。

这位意大利作曲家在歌剧的发展中发挥了至关重要的作用。他悠扬的宣叙调,丰富的和声和器乐色彩,塑造了整体歌剧的风格。蒙特威尔第为后来的歌剧播下了种子,他使用情感丰富的词语、精心设计的音乐渲染,以及对比鲜明的和声来突出文本。

舞台艺术的极致

歌剧在巴洛克时期晚期达到了其艺术和戏剧表现的巅峰。这种新的艺术形式席卷欧洲,成为一场壮观的盛会,充满了华丽的咏叹调、精致的舞台艺术、华美的服装(戏服)、奢华的歌手,以及蒙特威尔第和亨德尔(又译韩德尔,Handel)等著名作曲家的参与。歌剧终于成为典型的巴洛克艺术形式,带领观众进入一个充满高度情感和表达力的故事构成的虚构世界。

在蒙特威尔第的《奥菲欧》问世30年后,威尼斯第一座歌剧院圣卡西亚诺剧院(Teatro San Cassiano)于1637年上演了《波佩亚加冕》(L’inconazione di Poppea)。意大利威尼斯成为歌剧的中心,人们建造豪华的剧院来举办这些戏剧表演。歌剧院和剧场采用了几秒钟内就能在观众面前更换幻觉彩绘的布景,以及提供音效的精密机械。歌剧院和剧场这种快速变换场景和其它惊人的视觉效果都能让观众为之惊叹——所有这些都是舞台艺术表现的一部分。

《考文特花园剧院》(Covent Garden Theatre),这幅版画出版于1808年《伦敦缩影》(Microcosm of London)一书中。(公有领域)

公共歌剧院也是展示歌唱家的一种方式。《奥菲欧》之后,歌词和音乐之间的平衡发生了变化,独唱咏叹调有了更大的空间。宣叙调起到了推动情节的作用,咏叹调则成为表达情感的方式,让歌唱家得以展现自己的精湛技艺,而管弦乐队则充当伴奏,增添戏剧效果。

巴洛克歌剧造就了举世闻名的歌剧明星,但也助长了竞争和丑行。在歌剧中,歌手第一次占了上风,他们的收入通常是作曲家的四倍,有些人还为他们量身定做音乐,以适应他们的嗓音、天赋和需求。

阉人(Castrati)在巴洛克时期尤其受欢迎,一些人成为了当时的歌剧巨星。这些男歌手在青春期前就被阉割,以保持高音域。直到18世纪,所有的主要女性角色都是由阉人歌手演唱。

巴托洛梅奥‧纳扎里(Bartolomeo Nazari)为18世纪伟大的阉人演员法里内利(Farinelli)绘制的肖像,1734年。(公有领域)

到了1724年,以明星歌手为主角的歌剧盛行,达到顶峰。乔治‧弗里德里克‧韩德尔(George Frideric Handel,1685年─1759年)很好地把握了这一点,他用独唱“返始咏叹调”(Da capo aria),创作出一系列经久不衰的作品,歌手重复第一部分并加以修饰,展现出声乐的实力与灵巧。韩德尔最著名的歌剧包括《朱利奥‧凯撒在埃及》(Julius Caesar in Egypt)和《李纳尔多》(Rinaldo),这两部歌剧以其精致的咏叹调和复杂的配器而闻名。韩德尔成为意大利巴洛克歌剧和“opera seria”(“严肃”或戏剧歌剧)风格的大师。

韩德尔1711年剧本《李纳尔多》(Rinaldo)的页面:左侧为意大利文,右侧为英文翻译。(公有领域)

巴洛克晚期,歌剧发展成为一种国际艺术形式,成为整个欧洲宫廷庆祝活动的一部分,吸引公众和贵族观众。法国和英国用自己的母语设计了新的歌剧形式,特别是让-巴蒂斯特‧吕利(Jean-Baptiste Lully,1632年─1687年)和亨利‧珀塞尔(Henry Purcell,1659年─1695年)等作曲家的作品。

虽然巴洛克歌剧经常受到缺乏现实感的批评,但它却像征着一个时代的全部精华,并为后来歌剧的发展奠定了基础。

亨利‧珀塞尔(Henry Purcell)的肖像,1695年,约翰‧克洛斯特曼(John Closterman)创作。(公有领域)

原文:How Opera Became a Spectacle in the Baroque Era刊登于英文《大纪元时报》。

作者:艾莉安‧翠布斯维特(Ariane Triebswetter),国际自由新闻工作者,拥有现代文学和古典音乐背景。

责任编辑:茉莉◇#

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