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究竟是什么,将平凡琐事升华为富有深意的存在?在威廉-阿道夫·布格罗(William-Adolphe Bouguereau,1825—1905年)的两幅同名画作《小织女》(The Knitting Girl)中,答案就在那有条不紊拉扯着毛线的手指之间。
西洋绘画

如同圆周率,圆是无限的,没有任何一个时代能穷尽其可能性;而正是这份无穷无尽的特质,使它成为艺术家们的理想象征——既代表着可被测量的可见的世界,也同时暗示这世界永远无法被完全界定。

在希腊神话中,没有哪个“选美比赛”比这一场后果更严重——它毁掉了一座城邦,杀死了无数英雄,催生了荷马(Homer)的两部史诗,并在三千年后仍是西方文学艺术反复描绘的母题。

弗朗西斯科‧德‧戈雅-路肖恩特斯(Francisco de Goya y Lucientes)画作《红衣男孩》(Red Boy),深受观者的喜爱,被视为展现童年特质的开创性艺术杰作。

杜威说:“无须任何完整的观念与态度是目前时代的主要理智特征,被尊为后现代的本质”。机械文明与现代艺术的关系也逐步的从艺术家作画的方式,从笔触到所用的材料一点点的影响画家看世界的观点态度,从感发性的下意识到意识,从非主流到主流,最后主导整个学院派。

从文艺复兴、巴洛克时期开始,欧美视觉艺术的主题一直是关于神与人的故事。直到19世纪晚期,随着产业革命的发生——这是人类有史以来经济发展、个人主义发展最快最迅速的世纪,人类在科学上的发现与产业革命所带来的疏离,社会经济结构的变革(注一),将人类社会带入一个所谓“现代”天地。现代艺术、现代主义随之应运而生,至此艺术成了科学的追随者并且服膺着现代主义。

纽约大都会艺术博物馆的全新重磅展览“拉斐尔:超凡诗意”(Raphael: Sublime Poetry),展览汇集拉斐尔令人叹止的素描、油画与挂毯作品,充分展现了拉斐尔对鲜艳色彩、光影、空间及几何形体等多重元素的驾驭功力。

能鉴定一幅古代大师真迹,是所有艺术专家的梦想,阿姆斯特丹国家博物馆的研究人员最近有幸得偿所愿。

大都会艺术博物馆(简称“大都会”)于近期推出美国首个大型国际借展特展“拉斐尔:崇高的诗意”(Raphael: Sublime Poetry),显然不满足于重复这个熟悉的形象,或将其名作简单堆砌。它要表现的,是一个出生在小山城的孩子,何以成为人类艺术巨匠的生命历程。

画作完美地诠释了这样的场面。一艘小船载着一位光彩照人的贵妇和她的两个孩子(其中一个还是婴儿),驶向修道院的石砌大门。年幼的孩子回头望向追赶他们的威胁,这一姿态将整个画面的紧张感展现得淋漓尽致。安全近在咫尺,而危险仍如影随形。

文艺复兴巨匠拉斐尔(Raphael)以其笔下温婉的圣母画像以及梵蒂冈的《雅典学派》(The School of Athens)湿壁画闻名遐迩。尽管年仅37岁便英年早逝,他身后却留下约34幅圣母像。这些画像,或许正是解开其作品为何具有普世感染力的关键。

阿尔布雷希特‧丢勒(又译阿尔布雷希特‧杜勒)充分认识到了印刷机有待开发的潜力,他预见了印刷机对文字与艺术双方面的文化影响。作为德国文艺复兴之父,他充分利用印刷术带来的机遇,吸收并传播了重获新生的古代智慧。

从汉尼拔孤注一掷的战象长征,到查理大帝奠定中世纪版图的铁骑,再到拿破仑重塑现代欧洲格局的冒险,这三场奇袭虽然跨越了两千年,却共享着同一个逻辑:真正的天才,从不与险阻硬碰,而是在敌人认为“绝对不可能”的地方,挥下致命的一剑。

画中,一对衣着考究的新人正兴致勃勃地挑选结婚戒指。男子温柔地搂着未婚妻,女子则开心地向正用天平称量戒指的金匠比划着。金匠穿着华丽的红色长袍,在准备售出婚戒的同时,专注地聆听顾客的要求。

葛雷柯以他热爱的城巿——特洛伊人后裔所兴建的托利多(Toledo)——作为他笔下的《劳孔》的背景。人文主义者和古典文学者的历史素养在此显露出来。

葛雷柯的艺术目的是要激发出一般人的宗教热忱,将精神提升到超越“世俗感官认知”的世界之上,所以常将“超自然的视觉经验”化为精确的形象,呈现出物质璀璨光芒的灵性。

在葛雷柯完成的订制画中,最光彩夺目的是《欧贵兹伯爵的葬礼》。这幅画也是葛雷柯作品中尺幅最大的。

葛雷柯被认为是“矫饰主义”的巅峰代表,特立独行的哲学家,也是最后一位忠于表达神圣超越境界的“宗教艺术家”。

今日的罗马同时代表着古罗马帝国的遗产。作为历史上的伟大文明之一,古罗马帝国在欧洲、北非与小亚细亚留下不可磨灭的印迹,其中包括庞大而坚固的基础设施网络。从桥梁、道路到地下蓄水池,罗马的公共工程展现了对永续性的坚持,其精神至今值得我们深思。

从文艺复兴时期开始,众多画家将古代智慧铺陈于画布之上。许多伟大的艺术作品都源自罗马诗人维吉尔的《牧歌》,这部诗集由10首田园诗组成,创作于公元前42年至公元前37年间。

巴赫用数字来署名,运用数学原理在作品中创造对称性。莫扎特的音乐与黄金比例息息相关。贝多芬中期(“英雄”时期)的多部作品中,数字“三”在探讨命运主题时扮演着重要角色。

1608至1609年间,卡拉瓦乔住在西西里岛。他于1609年创作了大型画作《圣方济与圣劳伦斯同在的耶稣降生图》,这幅画于1969年10月17日被窃,至今55年依然下落不明。此案名列美国联邦调查局(FBI)十大艺术盗窃案榜单。

丁托列多的绘画总是充满动态而且富有戏剧性,尤其在描绘宗教主题时,表现的震撼力更为强烈,这种风格的形成固然与丁托列多在反宗教改革环境中成长,培养了一颗炽热的虔诚之心有关,同时也反映了威尼斯在十六世纪下半叶时期的动荡不安。

丁托列多的原名叫雅各‧罗布斯迪(Jacopo Robusti),出生在威尼斯,因为父亲开染坊为业,人们就叫他“丁托列多”(Tintoretto),即“小染匠”之意。丁托列多从小喜爱绘画,常常在染坊的墙上、地上乱涂,于是他的父亲将他送到提香(Titian)的画室去学艺。提香是当时“威尼斯画派”最杰出的画家,可是丁托列多作画时常有自己的主张,常常不遵守老师的指导,因此不受提香的喜爱,甚至将他赶出画室。丁托列多并未因此气馁,反而努力鞭策自己,立志要将“提香的色彩和米开朗基罗的形体”结合起来。后来,他果然创立了自己独特的绘画风格,使作品兼有两位大师的特长。

达芬奇临终前请求一位神父到场,而他最后被记录下来的话是——“我冒犯了上帝与人类,因为我的作品未能达到它本应具备的品质。”

拉斐尔1513年画作《西斯廷圣母》(Sistine Madonna)中那对漫不经心的小天使,已成为文艺复兴艺术在当代大众文化中最常见的两张面孔。其迷人之处部分源自神情的超然纯真,仿佛他们与这幅充满启迪的杰作毫不相关、独立画外。

“浪漫是否已死?”(Is romance dead?)这个问题在众多网络论坛引起热议。持肯定态度者多援引轶闻来证明,他们的观点通常源自糟糕的个人经验;另一些人则从宏观视角出发,将矛头指向日益个人主义的文化——沉溺于自我催生了对承诺的戒备心理。

丁托列多的原名叫雅各‧罗布斯迪(Jacopo Robusti),出生在威尼斯,因为父亲开染坊为业,人们就叫他“丁托列多”(Tintoretto),即“小染匠”之意。丁托列多从小喜爱绘画,常常在染坊的墙上、地上乱涂,于是他的父亲将他送到提香(Titian)的画室去学艺。提香是当时“威尼斯画派”最杰出的画家,可是丁托列多作画时常有自己的主张,常常不遵守老师的指导,因此不受提香的喜爱,甚至将他赶出画室。丁托列多并未因此气馁,反而努力鞭策自己,立志要将“提香的色彩和米开朗基罗的形体”结合起来。后来,他果然创立了自己独特的绘画风格,使作品兼有两位大师的特长(注1)。

关于古希腊最伟大英雄赫拉克勒斯(Heracles,又译海克力斯)的系列文章中,我们已关注过他“十二项试炼”中的三项——杀死九头蛇、征服涅墨亚狮子和清理奥革阿斯的牲口圈。今日我们将聚焦另一项较少为人知的试炼——战胜斯廷法利亚妖鸟群(Stymphalian Birds)。

帕米贾尼诺作品《削弓的爱神》暗示人类唯有透过孩童般“无邪纯真的爱”,才能真正得到心灵的滋润与救赎,也再一次证明了作者巧妙的构图功力。

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