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7月17日至27日,纽约苏富比拍卖行将举办“第17/18届国际ARC沙龙展”。ARC从前两届沙龙中精选了约100件写实素描、绘画和雕塑作品。这意味着观众将有100次机会欣赏到令人动容的“最优秀美术作品”。
西洋绘画

彼得‧保罗‧鲁本斯(Peter Paul Rubens)是佛兰德斯巴洛克艺术的天才代表,他同时也是一位练达的外交家。在因教派冲突而分裂的欧洲,鲁本斯不仅复兴艺术传统,还受命出使,和解了一场旷日持久的战争。

贝里尼详尽精确描绘自然的一切,但仍不忘记适切地表达宗教性的寓意,例如岩石表面闪耀着意味神圣的光芒;山石的坚硬也象征修行者坚定的意志;在画面中心啃食树叶的“白兔”其实才是真正的焦点:它代表了圣洁,也影射了圣杰若姆的超然物外。

人生都难免于离别的痛苦,在面对告别的时刻,文艺复兴诗人约翰‧邓恩(又译约翰‧多恩,John Donne)用优美的诗句告诉妻子“爱能够超越实际的距离”。

讲到“哲学”,很多人可能会联想到不食人间烟火的书呆子、苦思恶想的隐士,或者喜欢长篇大论的人。奥古斯特‧罗丹(Auguste Rodin, 1840—1917年)创作雕像《沉思者》(The Thinker)时,脑海所想的大概是前二者吧。这尊蹲坐低头沉思的雕像,后来变成一种象征,象征纯粹享受思考乐趣的人。

在第一张“自拍”问世以前的久远年代,自画像就已存在。它的历史可追溯至千百年前,与当今数码快照拥有相同的创作动机:记录当下、彰显专业,以及探索自己在世界上的地位。

在所有荷兰绘画作品中,这幅最受推崇的作品同时也遭受了最多的攻击、破坏和误解:它曾被大幅裁剪,三次遭到艺术破坏者的损毁,并且因污垢与表面清漆腐坏使色彩变暗而被误称为“夜巡”(The Night Watch)。然而,这件伦勃朗的钜作仍然得以幸存,成为艺术史界最为有名的“重生”故事之一。

《纺线女》是对绘画之高贵品质的礼赞,因为委拉斯开兹巧妙地运用画笔和颜料,描绘了从纺线到织造、再到最终制成挂毯的整个过程。画家不仅透过绘画媒介讲述了阿拉克涅的故事,还借用一幅名画来展现她的成就。

贝里尼是威尼斯十五世纪最有名的画家,他奠定了“威尼斯画派”的基础,该画派使威尼斯成为文艺复兴后期的中心。他创新了许多新的题材,并且在绘画形式和配色上带给大众新的感受。

究竟是什么,将平凡琐事升华为富有深意的存在?在威廉-阿道夫·布格罗(William-Adolphe Bouguereau,1825—1905年)的两幅同名画作《小织女》(The Knitting Girl)中,答案就在那有条不紊拉扯着毛线的手指之间。

如同圆周率,圆是无限的,没有任何一个时代能穷尽其可能性;而正是这份无穷无尽的特质,使它成为艺术家们的理想象征——既代表着可被测量的可见的世界,也同时暗示这世界永远无法被完全界定。

在希腊神话中,没有哪个“选美比赛”比这一场后果更严重——它毁掉了一座城邦,杀死了无数英雄,催生了荷马(Homer)的两部史诗,并在三千年后仍是西方文学艺术反复描绘的母题。

弗朗西斯科‧德‧戈雅-路肖恩特斯(Francisco de Goya y Lucientes)画作《红衣男孩》(Red Boy),深受观者的喜爱,被视为展现童年特质的开创性艺术杰作。

杜威说:“无须任何完整的观念与态度是目前时代的主要理智特征,被尊为后现代的本质”。机械文明与现代艺术的关系也逐步的从艺术家作画的方式,从笔触到所用的材料一点点的影响画家看世界的观点态度,从感发性的下意识到意识,从非主流到主流,最后主导整个学院派。

从文艺复兴、巴洛克时期开始,欧美视觉艺术的主题一直是关于神与人的故事。直到19世纪晚期,随着产业革命的发生——这是人类有史以来经济发展、个人主义发展最快最迅速的世纪,人类在科学上的发现与产业革命所带来的疏离,社会经济结构的变革(注一),将人类社会带入一个所谓“现代”天地。现代艺术、现代主义随之应运而生,至此艺术成了科学的追随者并且服膺着现代主义。

纽约大都会艺术博物馆的全新重磅展览“拉斐尔:超凡诗意”(Raphael: Sublime Poetry),展览汇集拉斐尔令人叹止的素描、油画与挂毯作品,充分展现了拉斐尔对鲜艳色彩、光影、空间及几何形体等多重元素的驾驭功力。

能鉴定一幅古代大师真迹,是所有艺术专家的梦想,阿姆斯特丹国家博物馆的研究人员最近有幸得偿所愿。

大都会艺术博物馆(简称“大都会”)于近期推出美国首个大型国际借展特展“拉斐尔:崇高的诗意”(Raphael: Sublime Poetry),显然不满足于重复这个熟悉的形象,或将其名作简单堆砌。它要表现的,是一个出生在小山城的孩子,何以成为人类艺术巨匠的生命历程。

画作完美地诠释了这样的场面。一艘小船载着一位光彩照人的贵妇和她的两个孩子(其中一个还是婴儿),驶向修道院的石砌大门。年幼的孩子回头望向追赶他们的威胁,这一姿态将整个画面的紧张感展现得淋漓尽致。安全近在咫尺,而危险仍如影随形。

文艺复兴巨匠拉斐尔(Raphael)以其笔下温婉的圣母画像以及梵蒂冈的《雅典学派》(The School of Athens)湿壁画闻名遐迩。尽管年仅37岁便英年早逝,他身后却留下约34幅圣母像。这些画像,或许正是解开其作品为何具有普世感染力的关键。

阿尔布雷希特‧丢勒(又译阿尔布雷希特‧杜勒)充分认识到了印刷机有待开发的潜力,他预见了印刷机对文字与艺术双方面的文化影响。作为德国文艺复兴之父,他充分利用印刷术带来的机遇,吸收并传播了重获新生的古代智慧。

从汉尼拔孤注一掷的战象长征,到查理大帝奠定中世纪版图的铁骑,再到拿破仑重塑现代欧洲格局的冒险,这三场奇袭虽然跨越了两千年,却共享着同一个逻辑:真正的天才,从不与险阻硬碰,而是在敌人认为“绝对不可能”的地方,挥下致命的一剑。

画中,一对衣着考究的新人正兴致勃勃地挑选结婚戒指。男子温柔地搂着未婚妻,女子则开心地向正用天平称量戒指的金匠比划着。金匠穿着华丽的红色长袍,在准备售出婚戒的同时,专注地聆听顾客的要求。

葛雷柯以他热爱的城巿——特洛伊人后裔所兴建的托利多(Toledo)——作为他笔下的《劳孔》的背景。人文主义者和古典文学者的历史素养在此显露出来。

葛雷柯的艺术目的是要激发出一般人的宗教热忱,将精神提升到超越“世俗感官认知”的世界之上,所以常将“超自然的视觉经验”化为精确的形象,呈现出物质璀璨光芒的灵性。

在葛雷柯完成的订制画中,最光彩夺目的是《欧贵兹伯爵的葬礼》。这幅画也是葛雷柯作品中尺幅最大的。

葛雷柯被认为是“矫饰主义”的巅峰代表,特立独行的哲学家,也是最后一位忠于表达神圣超越境界的“宗教艺术家”。

今日的罗马同时代表着古罗马帝国的遗产。作为历史上的伟大文明之一,古罗马帝国在欧洲、北非与小亚细亚留下不可磨灭的印迹,其中包括庞大而坚固的基础设施网络。从桥梁、道路到地下蓄水池,罗马的公共工程展现了对永续性的坚持,其精神至今值得我们深思。

从文艺复兴时期开始,众多画家将古代智慧铺陈于画布之上。许多伟大的艺术作品都源自罗马诗人维吉尔的《牧歌》,这部诗集由10首田园诗组成,创作于公元前42年至公元前37年间。

巴赫用数字来署名,运用数学原理在作品中创造对称性。莫扎特的音乐与黄金比例息息相关。贝多芬中期(“英雄”时期)的多部作品中,数字“三”在探讨命运主题时扮演着重要角色。

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