绘画中的莎士比亚戏剧
英国剧作家和诗人威廉‧莎士比亚有一句名言：“全世界就是一个舞台。”几个世纪以来，美术家们一直以“埃文河的吟游诗人”（The Bard of Avon，译注1）的这句话为灵感，透过自己的媒介将其笔下的场景搬上“视觉舞台”。
作家兼记者安德鲁‧迪克森（Andrew Dickson）写道：“莎士比亚戏剧最棒的一点是，没有人能告诉你它们应该是什么样子。剧本中的舞台说明和场景布置是出了名的简短；几乎没有任何关于服装或外观的规定。”画家们正是利用这一特点创作出波澜壮阔的画作，将莎翁戏剧的魅力展现得淋漓尽致，同时仍然发出自己的声音、反映出独特的风格。
《暴风雨》
威廉‧霍加斯（William Hogarth ，1697─1764年）是一位文艺复兴式的人物，尽管他生活在乔治时代（译注2）的伦敦。他是一位才华横溢的版画家、社会政治讽刺作家，也是一位画家。他的画作种类繁多，既有小规模的风俗场景和“交谈画”（conversation pieces，译注3），也有真人大小的肖像和历史画。《腓迪南向米兰达求爱》（Ferdinand courting Miranda，选自威廉‧莎士比亚的《暴风雨》第一幕第二场）展现了痴情的那不勒斯王子与《暴风雨》（The Tempest）女主角的初次相遇。
米兰达与被流放的魔术师父亲普洛斯彼罗（Prospero）住在遥远的地中海小岛上。画中，普洛斯彼罗在米兰达的右边，他的奴隶卡利班（Caliban）在米兰达的左边。一只蝙蝠在卡利班的头顶盘旋；卡利班将一只鸽子踩在脚下，象征他对这对恋人的威胁；精灵爱丽儿正在头顶奏乐。英国艺术与文学权威专家罗宾‧西蒙（Robin Simon）教授说：“我们知道霍加斯直接研读了莎士比亚的剧本，因为在当时，《暴风雨》只以音乐剧的形式上演过，其中并没有出现这一场景。”
这幅18世纪的小型历史画是已知最早描绘莎士比亚戏剧场景的画作之一，也是霍加斯最重要的作品之一。收藏此画的英国国民信托基金会（The National Trust）介绍说，这是艺术家想像中的“暴风雨”场景，而不是该段落在舞台上的表现。霍加斯希望开创一个英国历史画派，而没有什么比莎士比亚更“英国”了。
这幅画于1766年由霍加斯的一位赞助人买下，此后一直悬挂在约克郡的诺斯特尔修道院（Nostell Priory），并透过赞助人的家族传承下来。2002年，当时的主人有意出售它，多亏了英国艺术基金（Art Fund）慈善资助，这幅作品得以留存在英国，继续公开展出。
哈姆雷特
19世纪中叶，随着拉斐尔前派兄弟会的成立，英国艺术界发生了翻天覆地的变化。该团体从中世纪和早期文艺复兴艺术中汲取灵感，在维多利亚时代倡导创作具有自然主义纯粹性、精致入微的细节、瑰丽色彩及诗意象征的艺术作品。
约翰‧埃弗雷特‧米莱斯爵士（Sir John Everett Millais，1829-1896）是拉斐尔前派创始人之一。他在艺术生涯早期创作的油画《奥菲莉娅》（Ophelia），可以说是史上鼎鼎大名的莎翁戏剧题材画作。画中描绘的场景取自《哈姆雷特》（Hamlet）第四幕第七场。
在哈姆雷特王子解除与奥菲莉娅的婚约并杀死她的父亲后，她外出采花，从一棵柳树上跌入溪流而溺水。然而，她真正的死亡并没有在舞台上呈现，这让艺术家们有了更大的想像空间。
米莱斯花了几个月的夏日时光，坐在萨里郡的一条河边，透过仔细观察，得以在《奥菲莉娅》中让自然世界纤毫毕现。画中的植物具足象征意义，原剧本中也提到许多植物：向着奥菲莉娅俯下来的垂柳，象征被遗弃的爱情；柳枝旁的荨麻代表痛苦；漂浮在她右手旁边的雏菊代表着纯洁；飞燕草代表她的悲伤；紫罗兰代表忠诚与贞洁；三色堇暗示着未完成的爱；罂粟则代表死亡。所有这些都有准确的植物学细节描绘。
米莱斯的儿子后来讲述了这样一个故事：一位植物学教授无法带学生去郊外，于是带他们去看这幅画，认为画作的信息量不亚于亲眼看到的自然世界。
1852年冬，米莱斯在画室创作这幅画时，以伊莉莎白‧西达尔（Elizabeth Siddal）为模特塑造了奥菲莉娅的形象。她身着古雅的银色刺绣长袍，在以蜡烛取暖的浴缸里一连摆了几个小时的姿势，蜡烛时而熄灭，导致水温过低，使她生了病。西达尔堪称拉斐尔前派的缪斯女神，后来嫁给了该画派创始人之一但丁‧加布里埃尔‧罗塞蒂（Dante Gabriel Rossetti），而她本人也是一位艺术家和诗人。
泰特美术馆今年举办的展览“罗塞蒂一家”（The Rossettis）重新评价西达尔的作品，也探讨了她身为模特儿的艺术影响。对某些人来说，展览中最吸引观众的就是米莱斯的《奥菲莉娅》，这幅作品自首次公开展出以来就备受赞誉。1852年的《纪事晨报》（The Morning Chronicle）写道：“米莱斯先生的天赋正在萌发、成为毋庸置疑的天才……《奥菲莉娅》的独创性令人震惊。观赏者惊叹于其非凡的处理手法，再看一眼就会被吸引，沉思片刻就会入迷。”
安东尼与克里奥佩特拉
在维多利亚时代，最主要的传统艺术风格是学院派艺术。艺术从业者在欧洲的艺术学院接受训练，创作古代古典世界（希腊罗马时期）和历史主题的场景。出生于荷兰的劳伦斯‧阿尔玛-塔德玛爵士（Sir Lawrence Alma-Tadema，1836─1912年）于1870年定居伦敦，是当时最著名、最受欢迎的学院派艺术家之一。其专长是透过对考古学细节和质感的精确描绘，使奢华的昔日栩栩如生，这得益于他一丝不苟的学术研究、精湛的绘画技巧和绚丽的色彩运用。
《安东尼与克莉奥佩特拉的会面：公元前41年》（The Meeting of Antony and Cleopatra: 41 BC）是阿尔玛-塔德玛的代表作之一，此画于2011年在苏富比拍卖行以2,920万美元的惊人价格售出，远超300万─500万美元的估价。它展现的是莎翁戏剧《安东尼与克莉奥佩特拉》的第二幕第二场，追摹了剧中主人公的首次邂逅。
二人在历史上的真实会面，是古代最著名的事件之一：克里奥佩特拉（中文称埃及艳后）在凯撒遇刺前是其情人；凯撒的复仇者之一、罗马帝国后来的统治者马克‧安东尼召见她，要她回答关于对他忠诚的问题。她的出场令安东尼感到目眩神迷，这是她为展示其帝国的惊人财富而策划的一场盛会。正如史黛西‧希夫（Stacy Schiff）在传记小说《埃及艳后》（Cleopatra: A Life）中所写，这个真实故事“将引出莎翁最富丽的诗篇”。
佳士得拍品图录指出，在阿尔玛-塔德玛的时代，《安东尼与克莉奥佩特拉》一剧经常在伦敦舞台上演出。除了以绘画还原莎翁戏剧场景外，阿尔玛-塔德玛也为其剧作的重要演出设计布景和服装。
这幅画复杂的构图，这是阿尔玛-塔德玛作品的特色──是以一系列对角线和水平线为基础。这有助于观众的视线在叙事中穿梭，在目光转移之前吸收每个细节。莎士比亚台词中的景象、声音和气息，如驳船、金色缎布、吹笛手和花朵的香氛，都被阿尔玛-塔德玛华丽地还原出来，还有细节精确的埃及象形文字铭文、珠宝、家具和装饰图案。画家对场景和道具的安排，巧妙地为故事情节搭建了舞台。克莉奥佩特拉迷人的姿势和衣着，让安东尼惊叹又着迷。19世纪一位评论家认为这幅画“冠绝群伦”（second to no work）。
以图画形式展现“吟游诗人”（指莎士比亚）的文学艺术，有着悠久而丰富的历史。由此产生的艺术作品，将莎翁文学栩栩如生地展现在人们面前，让人们以视觉方式来理解这些文字。除此之外，追求这一主题的伟大艺术家们也创作出了蔚为壮观的画作，至今仍吸引着公众的目光。
译者注：
【1】“埃文河的吟游诗人”（The Bard of Avon），也简称“游吟诗人”，莎士比亚的别称，因莎士比亚出生并安葬于埃文河畔的英国斯特拉特福（Stratford）。
【2】乔治时代（Georgian），指大不列颠王国汉诺威王朝1714─1837年间的时期，期间四位名为乔治的国王，即乔治一世至乔治四世连续在位。
【3】交谈画（conversation pieces）是流行于18世纪英国的非正式群像，尺寸较小，通常刻画室内或花园中的一家人或一群朋友。
原文Staging Shakespeare in Painting刊登于英文《大纪元时报》。
作者简介：米歇尔‧普拉斯特里克（Michelle Plastrik）是一位艺术顾问，居住在纽约。她撰写的文章涵盖艺术史、艺术市场、博物馆、艺术博览会和特别展览等一系列主题。
责任编辑：茉莉◇
