西洋绘画

在罗马的恢复与重建当中,教宗克里门七世决定继续装饰西斯汀礼拜堂,为自己任内留下艺术巨作。或许有感于人类的罪孽,他选择的题材是《最后的审判》,而最理想的艺术家人选,自然非米开朗基罗莫属了。
文艺复兴的古典风格达到了高峰之后,宗教革命的冲突与激情,权势之间的竞争与豪夸,孕育出一颗畸形而硕大的珍珠——巴洛克。
米开朗基罗为整个图书馆营造的,是一种进入知识圣殿的情境。人要迈向学习之门时必须先沉淀自我,收起骄慢与浮躁。好比进入了第一道门,却发现还没有真正登堂入室。在玄关转换了心境,再以恭敬严肃的态度向着高处的圣殿拾级而上,如逆水行舟一般付出努力。
这并不是西方社会第一次遭受瘟疫之苦。早在14和17世纪,欧洲就经历过黑死病,一种由鼠疫引起的大瘟疫。在欧洲爆发(14世纪)的五年之内,估计就有超过2千万人丧命,是当时欧洲三分之一的人口。黑死病之后便消失了,但300年后又再次卷土重来。
《创世纪》 工程结束后,米开朗基罗立刻着手教宗灵寝工作,想一口气完成陵墓。次年,朱略斯二世逝世,米开朗基罗和教宗的继承人签署新合约 ,将陵墓修改为挨靠着墙的壁墓,大为缩减原来的规模。接下来三年间,米开朗基罗完全投入这件工作 ,首先完成的是摩西和两个奴隶像。
这些人并不是在崇拜艺术本身,而是它代表的东西。举例来说,在俄罗斯东正教中,圣像长期以来被视为神圣的物件,并不是因为它的颜料和笔刷,而是因为这些图画开启了连接天堂的一扇窗。
米开朗基罗采用数字“三”来划分天顶为左中右三行,中央《创世纪》故事部分又分为大小轮替的九个画面,每三个图为一个组,分别描绘《神创世》、《造人与原罪》、《诺亚的故事》。顺序的安排是根据礼拜堂本身的功能有关的,如创世的部分安排在教皇举行仪式的祭坛上方;以其接近神的缘故;而人间的故事则放在群众席的另一端。
美丽、善良、正义是神的荣耀,也是人的本性,而在拉斐尔的作品中更处处彰显了这点。这就是为什么他的画作在逝世500年后的今天,仍然能够启发我们,并带给我们希望。这也是为什么拉斐尔的作品对我们当今的社会如此重要,他让我们看到了事物美好的一面。
神按照自己的形像造了人’,这是许多古老民族的共同传说。旧约记载的主神创世时先造了日月星辰、山川海洋、动植矿物等等,那也是为人预备一个能赖以生存的环境,和生命得以循环不息的范围。所以人是世间的主体,是万物之灵。这是文艺复兴时期‘人文主义’的根源,也是米开朗基罗藉以赞颂主神造人之荣恩的创作主体。
柯尔生于英国却是像早期典型的美国人自学而成,而英国成长的经历与教养背景,给了科尔另一种视角。他的人物画并不像学院派训练出来的准确,但是风景画却能让人屏息凝神,荡气回肠。
1505年2月,米开朗基罗因教宗儒略二世的召见(注一),放下了《卡西纳战役》和其它未完成的工作,前往罗马为教宗设计陵墓。从此他的创作生涯将进入一个新的阶段。
画家雷瑞斯描绘了希腊神话大力神赫拉克勒斯(Hercules,台译海格力斯)人生的关键时刻。反观自己,在日常生活中我似乎也面临着同样的选择。
除了《大卫》和《凯西纳战役》,米开朗基罗同时期承接的工作还包括一座青铜的《大卫像》(今遗失),圣母百花教堂委托的《十二使徒像》(后来仅做了《圣马太》粗雕),一座《布鲁日圣母》 ,两幅圆形的《圣母子》浮雕 ,还有一幅较知名的《圣家族》——即《多尼圆幅》(Doni Tondo) ,或称《多尼圣母》(Doni Madonna)。
希腊神话最著名的故事莫过于《帕里斯的裁判》(Judgment of Paris)了。说白了,它的故事情节很简单,但是在表面上“谁最美?”的伪装之下,却有非常深厚的意涵。只要人类开始反思自己,就会发现至今这个故事仍无所不在。
相较于达芬奇从绘画的角度来经营画面效果,米开朗基罗自始至终没有忘记他雕刻家的身份,他以人体为表现元素,画中人物一个个如雕像般肌肉结实,轮廓分明;整体的造形力度生动而紧密。
约500年后的今天,12幅拉斐尔的壁毯画重新挂在西斯廷礼拜堂(Sistine Chapel)的下层墙面上,就如教宗利奥十世原先的规划一样。上一次所有壁毯画一齐悬挂在礼拜堂已经是16世纪末的事了。
1501年,26岁的米开兰基罗回到成为共和政体的佛罗伦斯,此时萨弗纳罗拉已被处以火刑,索德里尼(Piero Soderini)于1502年继任行政首长,呈现一番新气象。由于罗马的《圣母悼子像》广受赞誉,米开朗基罗开始崭露头角,大量的工作合同蜂拥而至,其中最重要的,应属新共和国政府委托的重要公共艺术工程,一是代表佛罗伦斯精神的《大卫》雕像(1501~1503年...
1492年罗伦佐去世后,米开兰基罗回到自己家中。这段期间他得到佛罗伦斯圣神教堂院长的协助下,他得以利用教堂医院(l'hôpital Santo Spirito de Florence)的尸体进行解剖研究,一窥人体结构之奥秘。为此米开朗基罗雕刻了一件木制的耶稣像(wooden crucifix,1492-93)回报给教堂。
文艺复兴时期重新发现了古典希腊的哲学和艺术观点,在此基础之上建立了新的一波创作浪潮。直至今日,文艺复兴仍被尊为西方的黄金时期。
文艺复兴盛期另一位与达芬奇势均力敌的艺术巨擘是米开兰基罗。他们先后出生、成长于佛罗伦斯,是同乡也是竞争对手。米开朗基罗比达芬奇晚23年出生,却多活了45年,是文艺复兴盛期最长寿、影响力最大的大师之一。他一生跨越了文艺复兴的早期、盛期到晚期,看到了罗马的兴衰,也引领着艺术的变革,直接或间接影响着矫饰主义和后来的巴罗克风格。
居鲁士的儿子冈比西斯二世(Cambyses II) (注一),以严刑峻法闻名。当时有一位法官西萨尼斯(Sisamnes)因接受贿赂而做出了不公正的判决。事发后法官被逮捕,在国王冈比西斯二世的审判下被处以剥皮极刑。而继承他事业的儿子奥塔尼斯(Otanes)将来必须坐在披挂着父亲人皮座椅上执法以为警惕。
她是一位女神。她叫做芙萝拉(Flora,花神),是伦勃朗(台译林布兰)笔下所绘的罗马春神。还没走进,起码还有20英尺(约6公尺)的距离,我就已经深深地被她那柔美、低调的优雅和氛围给震慑了。
我们今天回头看达芬奇,好像他在一座了不起的科学探索迷宫中迷失了,但绘画仍然是他生命的中心。这是他最重要的志业。对他来说,这已经升华到科学的境界了。他甚至用‘神的科学’(divine science)一词来形容它。
《最后的审判》壁画以端站在云际的耶稣为中心,他年轻健壮、神采超凡,大公无私,有力的右手往上一抬,主持正义发出判决,指引修善者升回天堂,好人会有福报,蓄势的左手掌向下推压,制止邪恶,指示罪人沉降地狱,作恶者会有恶报。
文艺复兴绘画中出现的Cangiante(换色法)、Chiaroscuro(明暗对照法)、Sfumato(晕涂法)和Unione(统合法)这四种风格迥异的绘画技法被后世广为流传,许多艺术巨匠都曾经出神入化地运用它们创造出辉煌而美丽的艺术珍品。
法国王后玛丽•莱什琴斯卡(Marie Leszczynska,1703~1768年)在位42年,是法兰西在位最长的凡尔赛宫女主人。这位波兰王室出身的王后忠实而虔诚,对法国的影响很大。她的影响不是政治上的,而是对法国人生活上的。
古人类都有对神对信仰,最早的艺术品也都出现在神的殿堂里,表现神圣美好的境界。文艺复兴时代的意大利也不例外,只是在人文主义的思潮下,艺术家以更人性化的角度来表现神和阐释教义。也由于艺术的发展,除了教会大量以艺术来赞颂神、彰显神的存在和伟大之外,许多有能力的商人或富裕家族也都希望拥有表现神的宗教艺术品;特别是表现圣洁、慈爱与天真的‘圣母子’更是历久不衰的热门题材...
我曾赞叹丁托列多神奇的透视与构图,也对他那些粗糙未完成的画作疑惑不解。恰逢他500岁冥诞,看了很多他的画作,尤其是肖像画与素描,读了不少关于他的资料,知道他越多,越感受到他的挣扎与渴望的陷阱,看见他在艺术与所处的环境中拔河。
湿壁画的起源不可考,但早在米诺安文明时期以及古罗马人(如庞贝城)中就有出色的彩色壁画。意大利文艺复兴时期是湿壁画的辉煌时期, 13世纪到16世纪中,从契马布埃(Cimabue)、乔托(Giotto)、马萨其奥(Masaccio)、安吉利科(Fra Angelico)、米开朗基罗、拉斐尔到柯勒乔(Correggio)等,都是创作湿壁画的能手。其中以米开朗基罗在...
《路易十三的宣誓》在巴黎大获成功,只是,从来没有人猜疑过圣母的模特儿身份是谁!
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