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柴可夫斯基為舞劇編寫了多種風格的樂曲。他以西班牙舞代表巧克力、以阿拉伯舞代表咖啡、中國舞代表茶,但全曲最美妙之處仍在《糖果仙子》中鋼片琴獨奏。壓軸的《花之圓舞曲》更是他最知名的圓舞曲之一。
音樂史

紐曼和捷克愛樂一起合作過25年之久,1993年9月13日,捷克愛樂特別頒贈了「終身榮譽指揮」的榮銜給他,以感謝紐曼對於捷克愛樂與推廣捷克音樂的貢獻。

庫貝利克:「為什麼捷克這麼一顆純真的心靈,卻竟然要委曲地為別人所編造的謊言去賣命呢?從1948年共產黨開始掌權以來就一直是如此,而且捷克民族過去的命運也十分地悲慘坎坷。但是從現在開始,請大家要相信捷克的未來將會充滿和諧、倫理、道德和力量!」

1886年,德弗乍克再接再勵地出版了《斯拉夫舞曲第二集》,此時他已經成為史梅塔納去世之後,國際間所一致推崇的捷克音樂代言人了。

德弗乍克自幼就沉浸在具有悠久音樂傳統與鄉村純樸的環境中,是個領有合格肉販執照、外貌又長得像補鍋匠似的音樂天才。

史梅塔納所作《我的祖國》,整首樂曲由六段樂章所組成,前面四段主要在描寫捷克的歷史傳說與山川景色,後面兩段則是以胡斯戰爭為主題,發抒捷克的民族愛國心聲。

史梅塔納是一位「天才兒童型的素人音樂家」,五歲的時候就能夠擔任四重奏裡的小提琴手,六歲時更是已經彈得一手好鋼琴,八歲開始作曲。《我的祖國》發抒捷克的民族愛國心聲。

克利雪多夫‧哈蘭特,根據義大利音樂家馬連吉歐所寫的彌撒曲以及少數的經文歌《Maria Kron》還流傳至今,其中所運用的作曲法十分地精妙,標示著文藝復興時期波希米亞的音樂成就。

這首奏鳴曲因一個慢速樂章「葬禮進行曲」而著名,而且是非常的出名。這首作品很難歸結於某種特定含義。坦白說我也不喜歡給音樂「定性」,我不想告訴別人去感受什麼東西。因為我覺得音樂會告訴你去感受什麼,音樂將向你表達感受。你需要的只是敞開心扉、接受它,願意讓它洗淨你,或者在某種意義上說,進入你的心靈。

我經常說,即便是舒伯特快樂的音樂也有點悲傷或懷舊色彩。即使是他年輕時——17、18歲、20歲出頭時寫的,不總如此,但往往帶有些惆悵、悲傷的元素,即便音樂的主調是快樂的,但本質上(是憂傷)……他在人生最後階段譜寫的這些音樂——儘管那時他還很年輕,聽起來真的像是晚年作品,因為他在面對生死的問題——他自己的生死。

「奏鳴曲三部曲」的第一首安靜、悲傷地完結,第二首——更多體現著探尋的主題,則在極大的喜樂中結束,如同說,是的,人生在世可以獲得意義。

新唐人電視台舉辦的國際鋼琴大賽於9月30日至10月2日在紐約巴魯克大學英格門音樂廳舉行。本屆比賽邀請到教授古典鋼琴五十年的維克多‧羅森鮑姆先生舉辦大師班。比賽前夕羅森鮑姆接受專訪,摯誠分享了他對古典音樂演奏與欣賞、特別是比賽指定的貝多芬、舒伯特和肖邦等大師經典曲目的精到理解。茲分節刊登,以饗讀者。

作為業餘聽眾,要欣賞古典音樂,最大的障礙就是擔心自己理解得不夠、還需要了解更多——更多的技巧。但我覺得如果你只是聽,只是接收音樂的情感訊息,多數人都能回應它,某種意義上甚至可以說是理解它,如果「理解」這個詞的意思是感到音樂向你訴說了些什麼、感到音樂傳達出的東西你捕捉到了。……僅敞開心胸去聆聽就是了。

「偉大藝術,也就是古典藝術的主要功能是傳達情感,將個體的內在情感傳達給他人。這種溝通是神聖的——這是個老派的詞了。它顯示著一個生命對另一個生命的敬畏。如果一個人能說:『是,我也有這種感受!』他就掌握了尊重每個個體生命神性的關鍵。通過這種深刻的溝通,我們提供了某種和解——某種『和平契約』,達致世界和平的唯一機會。」

然西方古典音樂據信源於中世紀,但西方古典音樂的根源可以追溯到地中海希臘和羅馬帝國,以及他們兼收並蓄的文化。

在音樂界,有關音階頻率(音高定準)的爭論已經進行了幾十年之久,廣泛牽涉到納粹陰謀論、新紀元(New Age)醫療法、對歌手發聲舒適性的實際考量、與古代數學和美學的重新聯接,以至與更高秩序的抽象連接等話題。具體來說,我們在確定音樂的「標準音高」時,是應該定在440赫茲,還是432赫茲?

鋼琴可能是孩子們眼中最珍貴的禮物。隨著年齡的增長和藝術水平的進步,他們需要更高質量的鋼琴去暢遊音樂世界,但昂貴的價格讓鋼琴很難像其他物品一樣隨時更新,怎麼辦?

在這個世界上,鋼琴的魅力,已經遠遠超過它作為樂器本身的意義。它曾經是帝王貴族的玩物,又流落到三流小酒館為任人彈奏的擺設。它是音樂家抒情的聖物,工業時代的印鈔機,新思潮運動來臨中充當先鋒。

柯列里(Corelli)有「現代小提琴技巧之父」的名稱,他創做小提琴的奏鳴曲式及12首管弦樂的大協奏曲。後來巴洛克時期因為提琴音樂的進步,樂曲逐漸脫離教會音樂的聲樂演奏方式,而造就出室內樂的演出形式。到了巴洛克晚期,曲式的規模與複雜性逐漸增加,及樂器的演奏技巧也越來越複雜與多變化。小提琴的技巧也在19世紀初由義大利小提琴家帕格尼尼(Paganini)達到巔峰。

80年代迎來了中國鋼琴夢的復甦。中國的上空出現了罕見的鋼琴狂熱。價格高額的增漲,絲毫沒有影響到購買者的狂熱。之後在世界的鋼琴舞台上湧現了一流的天才演奏家許忠、許悲天、朗朗和陳薩等。並在全世界鋼琴最高獎項肖邦大獎的領獎台上出現了中國人李雲迪奪冠的神話。

鋼琴角鬥士李斯特--1811年出生於匈牙利,9歲開始舉辦演奏會。年輕時的李斯特猶如現代舞台上的天王巨星,擁有大批為他神魂顛倒的追星族。他一出場就能讓台下的貴婦們昏倒。之前幾乎所有的鋼琴演奏家都雙手緊貼鍵盤彈奏的,但李斯特一反常規把手臂高高舉起然後重重落下,頭髮往後一甩,鋼琴隨即發出巨大的轟鳴。不論是創作還是演奏,他都頗像與鋼琴對決的角鬥士般激情四射。他還有把鋼琴彈碎的記錄,因此他的音樂會上經常備有三架鋼琴。這一切也歸功於他受到了小提琴大師帕格尼尼具有魔幻性的高超演奏的影響。他用鋼琴創造了各樣的音響效果,雷聲與閃電,悠長的鐘聲,潺潺的溪水,咆哮的激流,神聖莊嚴的吟唱,飛馳的駿馬等等。在所有鋼琴作曲家中,李斯特運用的形象最為豐實。他的女性粉絲簡直把他奉為神明。這位鋼琴史上的一代巨師,晚年曾在梵蒂岡住過,在羅馬天主教堂中得到過神父的聖職。

1781年在奧地利國王約瑟夫二世的倡議下,莫扎特和克萊門蒂應邀赴戰分別進行即興演奏,各自的作品,和帕伊西埃洛的奏鳴曲,結果勝負未分。另一場難分高低的對峙發生在李斯特與塔爾貝格之間。1837年3月31日這兩位冤家終於在為當時的意大利難民的義演中碰頭了。激烈交鋒後仍無分曉,女王貝爾吉歐索做出這樣的裁決:塔爾貝格證明自己是歐洲最傑出的鋼琴家,而李斯特是無與倫比的。

1904年一名叫韋爾特的德國人又發明了利用鋼琴紙卷的編孔,清晰的錄下任何鋼琴演奏家的演奏。為此這種自動鋼琴被稱為「庇阿諾拉」,成了當時不教自會的時尚鋼琴。這是音樂史上的轉折點,這使得音樂會上出現了隱形人,在獨奏會上以驚人的速度自動起伏琴鍵。觀眾看不見演奏者,那就像是李斯特的鬼魂在那裡演奏。這種「庇阿諾拉」面世不久便湧現了一些著名藝術家如德彪西.施特勞斯、帕德雷夫斯基、聖一桑、魯賓斯坦、鮑爾木隆等等。韋爾特的「庇阿諾拉」曾經被裝置在115種不同品牌的鋼琴中,但是幾乎也在同一時間起風靡一時的自動鋼琴開始走下坡路了。原因是雖勝過了留聲機,但卻輸給了收音機。整個20世紀前50 年收音機的高保真度超過了所有錄音製品。

當時對鋼琴的發展最有影響的音樂家是普魯士國王腓特烈大帝宮中著名樂師卡爾.菲利普.埃瑪努埃爾.巴赫。他不僅是巴洛克至古典主義,也是從羽管鍵琴到鋼琴過渡階段最重要的德國作曲家,還是受人尊敬的演奏家。18世紀詮釋鍵盤音樂的最高權威就是這位大師。由他親眼目睹了鋼琴從一個默默無聞的新生物演變

鋼琴從1709年在意大利問世算起經歷了三個時代的變遷,即古鋼琴,維多利亞和現代鋼琴。它們各自經過了百年歷史的演變期。幾百年來它被不斷地整容。於是展示在我們眼前的鋼琴時而平躺,時而又豎立起來,時而長方形,時而又變成翼形。它還曾和寫字檯,床,甚至縫紉機組合到了一起。在起初折騰了100多年後,它才算基本定了型。鋼琴真是一個不肯過氣的明星。不論是華貴、莊嚴的巴洛克風格;還是雄偉、奇拔的古典主義;不論是奔放,突顯個性的浪漫之聲;還是摒棄傳統,追求光與色彩印象派潮流,鋼琴全部勝任。

李世民命樂工共奏氣壯山河的《秦王破陣樂》。貞觀七年(公元633年),由當時精通音樂的大臣起居郎呂才協音律,魏徵、虞世南、褚亮、李百藥等一些文官作歌辭,李世民自己根據多年戎馬生涯的經驗,親制《破陣樂舞圖》,並命呂才依圖教樂工120人披甲執戟而舞。

「琴歌」的呈現必須結合詞、曲創作,是中國詩詞文學與音樂高度結合的精緻代表。所具備的條件是嚴苛的,且還需有過人之才與適時的機遇,如歐陽修的「醉翁操」的創作歷程長達十年之久,可見一個好的作品不易產生,再逢琴壇上「清微淡遠」美學要求的傾向,琴歌就成為各家琴譜中的異數了。

近代由於交通工具便捷,琴人互通便利,不僅縮短了區域的距離,更因成立琴社和有聲資料的廣泛流通,以及師承、傳譜的交互影響,形成個人獨特風格

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