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7月17日至27日,紐約蘇富比拍賣行將舉辦「第17/18屆國際ARC沙龍展」。ARC從前兩屆沙龍中精選了約100件寫實素描、繪畫和雕塑作品。這意味著觀眾將有100次機會欣賞到令人動容的「最優秀美術作品」。
西洋繪畫

彼得‧保羅‧魯本斯(Peter Paul Rubens)是佛蘭德斯巴洛克藝術的天才代表,他同時也是一位練達的外交家。在因教派衝突而分裂的歐洲,魯本斯不僅復興藝術傳統,還受命出使,和解了一場曠日持久的戰爭。

貝里尼詳盡精確描繪自然的一切,但仍不忘記適切地表達宗教性的寓意,例如岩石表面閃耀著意味神聖的光芒;山石的堅硬也象徵修行者堅定的意志;在畫面中心啃食樹葉的「白兔」其實才是真正的焦點:牠代表了聖潔,也影射了聖傑若姆的超然物外。

人生都難免於離別的痛苦,在面對告別的時刻,文藝復興詩人約翰‧鄧恩(又譯約翰‧多恩,John Donne)用優美的詩句告訴妻子「愛能夠超越實際的距離」。

講到「哲學」,很多人可能會聯想到不食人間煙火的書呆子、苦思惡想的隱士,或者喜歡長篇大論的人。奧古斯特‧羅丹(Auguste Rodin, 1840—1917年)創作雕像《沉思者》(The Thinker)時,腦海所想的大概是前二者吧。這尊蹲坐低頭沉思的雕像,後來變成一種象徵,象徵純粹享受思考樂趣的人。

在第一張「自拍」問世以前的久遠年代,自畫像就已存在。它的歷史可追溯至千百年前,與當今數碼快照擁有相同的創作動機:記錄當下、彰顯專業,以及探索自己在世界上的地位。

在所有荷蘭繪畫作品中,這幅最受推崇的作品同時也遭受了最多的攻擊、破壞和誤解:它曾被大幅裁剪,三次遭到藝術破壞者的損毀,並且因污垢與表面清漆腐壞使色彩變暗而被誤稱為「夜巡」(The Night Watch)。然而,這件倫勃朗的鉅作仍然得以倖存,成為藝術史界最為有名的「重生」故事之一。

《紡線女》是對繪畫之高貴品質的禮讚,因為委拉斯開茲巧妙地運用畫筆和顏料,描繪了從紡線到織造、再到最終製成掛毯的整個過程。畫家不僅透過繪畫媒介講述了阿拉克涅的故事,還借用一幅名畫來展現她的成就。

貝里尼是威尼斯十五世紀最有名的畫家,他奠定了「威尼斯畫派」的基礎,該畫派使威尼斯成為文藝復興後期的中心。他創新了許多新的題材,並且在繪畫形式和配色上帶給大眾新的感受。

究竟是什麼,將平凡瑣事昇華為富有深意的存在?在威廉-阿道夫·布格羅(William-Adolphe Bouguereau,1825—1905年)的兩幅同名畫作《小織女》(The Knitting Girl)中,答案就在那有條不紊拉扯著毛線的手指之間。

如同圓周率,圓是無限的,沒有任何一個時代能窮盡其可能性;而正是這份無窮無盡的特質,使它成為藝術家們的理想象徵——既代表著可被測量的可見的世界,也同時暗示這世界永遠無法被完全界定。

在希臘神話中,沒有哪個「選美比賽」比這一場後果更嚴重——它毀掉了一座城邦,殺死了無數英雄,催生了荷馬(Homer)的兩部史詩,並在三千年後仍是西方文學藝術反覆描繪的母題。

弗朗西斯科‧德‧戈雅-路肖恩特斯(Francisco de Goya y Lucientes)畫作《紅衣男孩》(Red Boy),深受觀者的喜愛,被視為展現童年特質的開創性藝術傑作。

杜威說:「無須任何完整的觀念與態度是目前時代的主要理智特徵,被尊為後現代的本質」。機械文明與現代藝術的關係也逐步的從藝術家作畫的方式,從筆觸到所用的材料一點點的影響畫家看世界的觀點態度,從感發性的下意識到意識,從非主流到主流,最後主導整個學院派。

從文藝復興、巴洛克時期開始,歐美視覺藝術的主題一直是關於神與人的故事。直到19世紀晚期,隨著產業革命的發生——這是人類有史以來經濟發展、個人主義發展最快最迅速的世紀,人類在科學上的發現與產業革命所帶來的疏離,社會經濟結構的變革(註一),將人類社會帶入一個所謂「現代」天地。現代藝術、現代主義隨之應運而生,至此藝術成了科學的追隨者並且服膺着現代主義。

紐約大都會藝術博物館的全新重磅展覽「拉斐爾:超凡詩意」(Raphael: Sublime Poetry),展覽彙集拉斐爾令人歎止的素描、油畫與掛毯作品,充分展現了拉斐爾對鮮豔色彩、光影、空間及幾何形體等多重元素的駕馭功力。

能鑑定一幅古代大師真跡,是所有藝術專家的夢想,阿姆斯特丹國家博物館的研究人員最近有幸得償所願。

大都會藝術博物館(簡稱「大都會」)於近期推出美國首個大型國際借展特展「拉斐爾:崇高的詩意」(Raphael: Sublime Poetry),顯然不滿足於重複這個熟悉的形象,或將其名作簡單堆砌。它要表現的,是一個出生在小山城的孩子,何以成為人類藝術巨匠的生命歷程。

畫作完美地詮釋了這樣的場面。一艘小船載著一位光彩照人的貴婦和她的兩個孩子(其中一個還是嬰兒),駛向修道院的石砌大門。年幼的孩子回頭望向追趕他們的威脅,這一姿態將整個畫面的緊張感展現得淋漓盡致。安全近在咫尺,而危險仍如影隨形。

文藝復興巨匠拉斐爾(Raphael)以其筆下溫婉的聖母畫像以及梵蒂岡的《雅典學派》(The School of Athens)濕壁畫聞名遐邇。儘管年僅37歲便英年早逝,他身後卻留下約34幅聖母像。這些畫像,或許正是解開其作品為何具有普世感染力的關鍵。

阿爾布雷希特‧丟勒(又譯阿爾布雷希特‧杜勒)充分認識到了印刷機有待開發的潛力,他預見了印刷機對文字與藝術雙方面的文化影響。作為德國文藝復興之父,他充分利用印刷術帶來的機遇,吸收並傳播了重獲新生的古代智慧。

從漢尼拔孤注一擲的戰象長征,到查理大帝奠定中世紀版圖的鐵騎,再到拿破崙重塑現代歐洲格局的冒險,這三場奇襲雖然跨越了兩千年,卻共享著同一個邏輯:真正的天才,從不與險阻硬碰,而是在敵人認為「絕對不可能」的地方,揮下致命的一劍。

畫中,一對衣著考究的新人正興致勃勃地挑選結婚戒指。男子溫柔地摟著未婚妻,女子則開心地向正用天平稱量戒指的金匠比劃著。金匠穿著華麗的紅色長袍,在準備售出婚戒的同時,專注地聆聽顧客的要求。

葛雷柯以他熱愛的城巿——特洛伊人後裔所興建的托利多(Toledo)——作為他筆下的《勞孔》的背景。人文主義者和古典文學者的歷史素養在此顯露出來。

葛雷柯的藝術目的是要激發出一般人的宗教熱忱,將精神提升到超越「世俗感官認知」的世界之上,所以常將「超自然的視覺經驗」化為精確的形象,呈現出物質璀璨光芒的靈性。

在葛雷柯完成的訂製畫中,最光彩奪目的是《歐貴茲伯爵的葬禮》。這幅畫也是葛雷柯作品中尺幅最大的。

葛雷柯被認為是「矯飾主義」的巔峰代表,特立獨行的哲學家,也是最後一位忠於表達神聖超越境界的「宗教藝術家」。

今日的羅馬同時代表著古羅馬帝國的遺產。作為歷史上的偉大文明之一,古羅馬帝國在歐洲、北非與小亞細亞留下不可磨滅的印跡,其中包括龐大而堅固的基礎設施網絡。從橋梁、道路到地下蓄水池,羅馬的公共工程展現了對永續性的堅持,其精神至今值得我們深思。

從文藝復興時期開始,眾多畫家將古代智慧鋪陳於畫布之上。許多偉大的藝術作品都源自羅馬詩人維吉爾的《牧歌》,這部詩集由10首田園詩組成,創作於公元前42年至公元前37年間。

巴赫用數字來署名,運用數學原理在作品中創造對稱性。莫扎特的音樂與黃金比例息息相關。貝多芬中期(「英雄」時期)的多部作品中,數字「三」在探討命運主題時扮演著重要角色。

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