西洋繪畫

《園中苦禱》是普桑剛到羅馬時所繪,那是在他作為古典主義畫家聲名鵲起之前。他受到了最出色的前輩藝術家──意大利文藝復興巨匠拉斐爾、米開朗基羅和提香等的影響,也從古希臘和羅馬藝術中汲取了營養。普桑在畫中創造的場景是如此宏偉高眇,觀看這幅畫時,我首先想到的不是「痛苦」,而是信仰、希望,還有謙卑。
西蒙‧彼得扎諾不但是藝術史學家,更是著名的巴洛克繪畫大師卡拉瓦喬(Caravaggio)的老師。然而,他卻只被認定是一位有能力但不出色的藝術家。仔細檢視可知,歷史上有許多藝術家的貢獻著重在奠定基礎,而讓傑出的後輩得以在日後嶄露頭角成為大師。彼得扎諾可說是個絕佳例子,他邁出的第一步成就卡拉瓦喬日後的完美。
我們都聽過這樣一句話:「美與不美,全在觀者。」(Beauty is in the eye of the beholder. )不過,這句話是什麼意思?是否有道理?千百年來,關於美是什麼、為何重要,以及美的起源,先人聖哲們一直爭論不休。
弗立克美術館起居室的三幅古典人物畫作總令我流連忘返,不僅是畫的技巧,更因為歷史人物的內涵與張力——弗立克將兩位英國歷史上著名的政治公案人物,掛在起居室一左一右彼此互望,摩爾線條堅毅嚴正,克威爾表情隱晦沒有生氣……
專家們早先斷定,維米爾的繪畫是從單色素描開始著筆。華府的研究員們在這四幅畫上應用顯微鏡分析和先進的成像技術,發現維米爾以寬闊粗放的筆觸在這些畫上塗了底色,再鋪陳其構思的形狀、顏色與光線。研究小組甚而指出,維米爾在《持天平的女子》一畫的黑底色中摻入了含銅化合物,以加速顏料乾燥。
如果「戴紅帽的女孩 」開口說話該多好!在約翰內斯‧維米爾(Johannes Vermeer,1632—1675年)的畫中,她從椅子上轉身直視著我們。自然光從她臉旁流洩而過,照亮了張開的嘴唇,輝映著眼中略顯頑皮的光芒,彷彿她幾個世紀前就已知道華盛頓國家美術館的策展人、科學家和研究員們會發現什麼:維米爾有一間畫室,他在那裡帶徒授課,和助手們一起創作。
杜勒在色彩的運用上比凡‧艾克更加純熟,在描繪自然體態上又比波提切利還更加真實。不過,他的藝術成就不僅於此,文藝復興三傑米開朗基羅、拉斐爾和達芬奇也對他評價極高。杜勒的作品也後續影響了巴洛克風格,他的透視(在繪畫中創造出立體空間感)技法也是那時候最傑出的。
北方美術工藝品的市場價是怎樣的一種情形?「相對價值:北方文藝復興時期的藝術成本」,紐約大都會美術館的策展人嘗試用這個展覽,引導觀者還原當時人是如何給藝術與工藝品訂價格的。
為了追尋人類存在的真相,李奧納多從人體外在的生理形式回歸到人類的心靈層次。他在研究過肌肉骨骼系統之後,推測如果深入研究神經系統,應能更好地理解和解釋情緒對人體表情的影響。然而,研究過神經系統後發現,仍不足以證明神經系統是影響人類情緒最主要的原因,李奧納多知道還有更深層的東西直接負責這部分。
惠斯勒的作品「藝術家母親的畫像」——一位黑衣端坐的老婦人側面身影,已然成了美國早期文化的一種象徵。這幅畫構圖精妙平衡,色彩簡約;有一種清教徒式的嚴謹與堅毅。母親的臉部畫的很柔和,這也是他的人像畫慣有的特色。作品之所以在美國大蕭條期間能撫慰許多人心,因為她的確是一種美好的美國母親形象。
20世紀彩色印刷技術和大量發行技術的創新,使得馬克思菲爾德‧派黎胥的作品受到百萬民眾的喜愛。派黎胥以其經典的新古典主義板畫、兒童讀物插圖、廣告圖畫,以及著名的流行刊物的封面設計,如《生活》(雜誌)、《時尚芭莎》(台譯哈潑時尚)等,成為家喻戶曉的藝術家。
所有受僱於拉斐爾、在他手下工作過的畫家也稱得上是有福之人,因為任何一個追摹他的人都會發現,他已經載譽抵達一個安全的港灣;同樣,所有學習他在藝術創作方面的勤奮之人,都會受到世人尊敬;甚至,會由於在為人正直方面與他相像,而贏得上天賜予的福報。
蛋彩畫經過千年的歷史,曾一度被棄置。上一個世紀,當人們經歷了工業革命的洗禮後,又從新發現它古老溫柔的特質;這一個世紀,影像充斥在各個領域,可說是前所未有的。生活的步調與速度,就像用噴霧器噴撒彩繪在畫布上一般,只需學會按鈕,五花八門的世界即垂手可得。為什麼我們要再學習這古老的技法?或許正因為它一絲不苟的步驟與方法使我們再回到構成畫家最基本的元素──創作離不開手...
蛋彩畫至少有一千年以上的歷史,假如沒有它,中世紀的藝術與教堂將是一片灰暗。蛋彩畫曾經是古時候畫家們創作的至寶,但自十五世紀初期油畫出現後,蛋彩畫逐漸地被棄置;到了十六世紀,幾乎完全被油畫取代。然而,最近紐約的畫界又開始興起學習蛋彩畫的熱潮;藝術學院從一週開一堂課到三堂課,學習人數激增。其實,蛋彩畫一直沒被遺忘,從十九世紀到二十世紀之間,一直都有藝術家以蛋彩創...
奧羅拉別墅從17世紀的輝煌時期以來,持續飽受時間和貪婪的摧殘。到了19世紀,投資失敗使得莊園腹地縮小到今天的半英畝。1896年,摩根大通(J.P. Morgan)曾考慮為美國人文與科學院(American Academy)買下莊園。盧多維西收藏的最好的104件雕塑於1901年賣給意大利政府,而卡拉瓦喬和格爾奇諾的鉅作依然在別墅中屹立不搖。
拉斐爾的遺體得到了榮耀的安葬——那是他高貴的精神所應得,參加葬禮的藝壇同行無不悲傷哭泣,一路跟隨至墓地。他的逝世也為整個教廷帶來巨大的悲慟,首先因為他長期擔任過侍從官(Groom of the Chamber),同時也因他深得教宗厚愛,後者聞知噩耗,為之痛哭流涕。
人都有嚮往光明美好的本性,如果能找回善良、正向的價值觀,藝術還是會有回升的機會。有理想、有技能的藝術家們若能認識自己的使命,堅持藝術的理想與個人的道德修為,走回正統的藝術之路,這才是人類危機的真正出路。
拉斐爾卻不是這樣,儘管舉步維艱,但為了學習米開朗基羅的畫風,他從頭腦中清除了皮埃特羅的樣式,徹底擺脫了後者的風格,從大師再次變身弟子。已是成年人的他硬著頭皮研習,短短幾個月,就掌握了在學東西最快的稚嫩年紀也要耗費多年才能掌握的東西。
拉斐爾為紅衣主教科羅納(Colonna)在畫布上畫了一幅聖約翰像,其優美讓主教珍愛備至。但碰巧主教生了一場大病,治癒他的醫生雅科波‧達‧卡皮(Jacopo da Carpi)向他索要此畫作為贈禮;他對雅科波深懷感激,為了滿足其願望而割愛相贈。此畫現歸佛羅倫薩的弗朗西斯科‧貝寧坦迪(Francesco Benintendi)所有。
密友阿戈斯蒂諾‧基吉(Agostino Chigi)委託拉斐爾為府邸的第一敞廊作畫。拉斐爾為這項創作繪製了所有草圖,並親手為壁畫中的許多人物著色。
不可能盡述這位藝術家作品中每一最微小的細節——它們縱然無聲,卻彷彿能開口講話:就說畫作下方的底座,上面繪有教會庇護者和捐助者們的眾多形象,每個人物兩側各有一人,合圍成邊框。一切都彰顯著精神、情感與思想,色彩如此協調,可謂盡善盡美。房間的天頂出自他的老師皮耶羅‧佩魯吉諾(Pietro Perugino)的手筆,出於對藝術啟蒙恩師的回憶與愛戴,拉斐爾不願破壞它。
哦,宛如置身天堂!18世紀墨西哥藝術家安東尼奧‧德‧托雷斯(Antonio de Torres)有一幅圓形畫作,畫裡耀眼的聖母盤旋在充滿祥和雲彩的天堂裡。
《拿破侖鎮靜駕馭烈馬橫越阿爾卑斯山》畫中描繪拿破侖橫越阿爾卑斯山的要衝聖貝爾納多時的英姿。畫家積雪的陡坡為背景點出地勢的險峻,拿破侖跨在躍起的烈馬上,舉起手臂向前指向前方山頂,顯示出不畏艱難的決心。腳下岩石上除了拿破侖的名字,還刻上了羅馬時代的名將漢尼拔和中世紀的查理曼大帝的名字,代表拿破侖立意與先賢齊名的雄心。
由於要滿足顯赫人士的要求,拉斐爾不能推託上述工作,更不用說他的私人利益也使他無法拒絕;然而與此同時,他從未中止在教宗居室和大廳的系列創作;在那裡,他手下總有一批人將他的設計付諸實施,他自己則監督一切,盡最大努力輔助完成這一巨製。
新古典主義的繪畫是以文藝復興時期的素描為基礎,在表現形式上模仿希臘、羅馬的古典規則,強調理性的表現,作品單純而明晰。其構圖多呈靜態,均衡嚴謹,畫面細膩精密;題材多以古代神話、傳說,或表現歷史和現實的重要事件為主,借古代英雄的事跡表達勇敢、光輝等高尚品德和歷史的大場面。
丘奇開始作畫時,正值多數偉大的思想家仍能看到造物主創造萬物之手的時代。當時的人們欣賞丘奇的作品《厄瓜多的安地斯山脈》都覺得好像在看出自神之手的全新作品。
拉斐爾看到丟勒的銅版畫,希望藉由這種藝術形式展現自己的作品,於是讓博洛尼亞的馬坎托尼奧(Marc’ Antonio)對這種手法進行了非常深入的研究;後者由此成為技巧傑出的銅版畫大師,拉斐爾委託他為自己的早期作品製作版畫,如素描「殉道嬰孩」(The Innocents)、「最後晚餐」(Last Supper)、海神(Neptune)和遭滾油煎熬的聖切奇莉亞。
「床」這件不起眼的家具,通常是文學和藝術作品背景的一隅。事實上,在安徒生童話《豌豆和公主》(The Princess and the Pea)和經典的《一千零一夜》(The Arabian Nights,又譯《天方夜譚》)中,「床」是故事的舞台。而且,來自世界各地的畫作中,我們也發現藝術家描繪沉睡者、戀人、孩童、垂死者或死者,每一個角色都是在床上。
拉斐爾繪製了一幅大畫,畫的是教宗良十世和兩位紅衣主教朱利奧‧德‧美第奇(Giulio de’ Medici)與德‧羅西(de’ Rossi)。人物形象不像是出自畫筆,而是從畫面中凸現出來,具有飽滿的立體感;畫中有堆疊的天鵝絨(披風),教宗法衣的錦緞光澤閃耀、摩挲作響,襯裡的毛皮柔軟自然,金線和蠶絲彷彿不是敷色繪成,而是真材實料;還有一本羊皮紙的泥金裝飾手抄《...
「古典」(classic,classism)一詞,含有傳統的、典範的意涵,通常是指來源於古代希臘、羅馬藝術美的價值或風格。最早用於文學,十七世紀以後才運用在美術上,當時的學院普遍認為古代希臘羅馬的藝術已為未來立下典範,如文藝復興也是受到古藝術的啟發,才從中世紀的不成熟走向藝術的鼎盛。所以「古典主義」或「新古典主義」,都是指受古希臘、羅馬文學、美術、建築等藝術...
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